Ballet La Esmeralda, dan Guru Ballet Bernama Agrippina Vaganova

Ballet La Esmeralda, dan Guru Ballet Bernama Agrippina Vaganova – La Esmeralda adalah balet dalam tiga babak dan lima adegan, terinspirasi oleh novel tahun 1831 Notre-Dame de Paris oleh Victor Hugo , awalnya dikoreografi oleh Jules Perrot dengan musik oleh Cesare Pugni , dengan set oleh William Grieve dan kostum oleh Mme. kopi. Ini pertama kali dipersembahkan oleh Ballet of her Majesty’s Theatre , London pada 9 Maret 1844, dengan Carlotta Grisi sebagai Esmeralda, Jules Perrot sebagai Gringoire, Arthur Saint-Leon sebagai Phoebus, Adelaide Frassi sebagai Fleur de Lys, dan Antoine Louis Coulon sebagai Quasimodo.

Ballet La Esmeralda, dan Guru Ballet Bernama Agrippina Vaganova

koltunballetacademy – Hari ini balet lengkap hanya dilakukan di Rusia, Eropa Timur , dan oleh dua perusahaan balet di Amerika Serikat. The New Jersey Ballet memperkenalkan versi full-length untuk pertama kalinya di Amerika Serikat pada tahun 2004, dan Rusia Ballet Orlando dilakukan La Esmeralda untuk pertama kalinya di tahun 2021. Sebagian besar perusahaan balet Barat hanya melakukan dua Esmeralda -terkait potong — La Esmeralda pas de deux dan La Esmeralda pas de six —dan Diane dan Actéon Pas de Deux , yang sebenarnya tidak dikutip dari balet, tetapi sering disalahartikan sebagai ditambahkan oleh Marius Petipa pada kebangkitannya tahun 1886 atasLa Esmeralda. Variasi dari balet masih sering dilakukan oleh siswa di kompetisi balet.

Baca Juga : Sejarah Balet Swan Lake, Berkisah Tentang Odette

Alur

Garis besar plot berdasarkan sinopsis lengkap yang diterjemahkan oleh Profesor Roland John Wiley: Gadis cantik Romani Esmeralda menikahi penyair Pierre Gringoire, untuk menyelamatkannya dari kematian di tangan raja Romani. Pengantin pria terpikat dengan pengantin barunya, tetapi dia menjelaskan bahwa pernikahan itu benar-benar salah satu kenyamanan. Gringoire bukan satu-satunya yang tergila-gila dengan Esmeralda, diakon agung katedral Notre Dame, Claude Frollo, sangat terobsesi dengan gadis itu dan memerintahkan anteknya yang cacat, Quasimodo, untuk menculiknya. Ketika Quasimodo menyerang Esmeralda di jalan, dia diselamatkan oleh Pemanah Raja, dipimpin oleh kapten tampan mereka Phoebus de Chateaupers, yang menangkap Quasimodo. Mereka berencana menyiksanya, tapi Esmeralda meminta pembebasannya. Si bungkuk sangat tersentuh oleh kebaikannya. Phoebus terpesona oleh gadis itu dan memberinya syal yang diberikan kepadanya oleh tunangannya, Fleur de Lys.

Keesokan harinya, Fleur de Lys dan ibunya mengadakan perayaan besar untuk pertunangannya dengan Phoebus, yang terganggu oleh pikiran Esmeralda. Dia datang untuk menjamu para tamu, tetapi patah hati ketika dia melihat bahwa tunangan Fleur de Lys tidak lain adalah Phoebus yang dicintainya. Fleur de Lys memperhatikan bahwa Esmeralda mengenakan syal yang dia berikan kepada Phoebus dan menyadari bahwa dia telah jatuh cinta dengan orang lain, dengan marah membatalkan pertunangan. Phoebus pergi bersama Esmeralda. Sendirian di sebuah kedai, keduanya menyatakan cinta mereka satu sama lain, tidak menyadari bahwa diakon agung Frollo juga ada di sana, menguping mereka. Mengambil belati yang dia curi dari kamar Esmeralda, Frollo menyelinap di belakang kekasih dan menusuk Phoebus, yang jatuh pingsan ke tanah. Frollo memanggil pihak berwenang, menunjukkan kepada mereka tubuh Phoebus dan belati yang digunakan untuk menikamnya, yang diidentifikasi sebagai milik Esmeralda. Gadis malang itu dibawa pergi dan dijatuhi hukuman mati.

Saat fajar keesokan paginya, Festival Orang Bodoh sedang berlangsung dan Esmeralda akan digantung karena pembunuhan Phoebus. Teman-temannya dan Gringoire semuanya hadir dan mengucapkan selamat tinggal, sementara Frollo menyaksikan dengan penuh kemenangan. Sama seperti Esmeralda dibawa ke tiang gantungan, Phoebus tiba dalam keadaan hidup dan sehat, setelah selamat dan pulih dari penusukan. Dia mengungkapkan pelakunya yang sebenarnya adalah Frollo dan mengumumkan bahwa Esmeralda tidak bersalah atas kejahatan apa pun. Frollo mengambil belati dan mencoba untuk menyingkirkan mereka, tetapi Quasimodo merebut belati dari tuannya dan menikamnya sampai mati. Esmeralda dan Phoebus dipertemukan kembali dengan bahagia.

Agrippina Vaganova

Agrippina Yakovlevna Vaganova adalah seorang guru balet Soviet dan Rusia yang mengembangkan metode Vaganova – teknik yang diturunkan dari metode pengajaran Sekolah Balet Kekaisaran lama (sekarang Akademi Vaganova Balet Rusia ) di bawah Perdana Menteri Maître de Ballet Marius Petipa sepanjang pertengahan hingga akhir abad ke-19, meskipun sebagian besar sepanjang tahun 1880-an dan 1890-an. Vaganova- lah yang melengkapi serta meningkatkan wujud pengajaran seni balet klasik ini jadi kompendium yang dapat diaplikasikan. Dasar – dasar Tarian Klasiknya(1934) tetap menjadi buku teks standar untuk instruksi teknik balet . Tekniknya adalah salah satu teknik yang paling populer saat ini.

Biografi

Vaganova lahir di Saint Petersburg dari pasangan Akop Vaganov, seorang Armenia dari Astrakhan , yang bekerja sebagai pengantar di Teater Mariinsky, dan seorang ibu Rusia. Seluruh hidup Vaganova terhubung dengan Imperial Ballet (kemudian Balet Kirov) dari Teater Mariinsky di Saint Petersburg . Dia diterima di Sekolah Balet Kekaisaran pada tahun 1888, lembaga besar tari klasik yang didirikan oleh Anna dari Rusia dan didanai oleh Tsar . Dia lulus dari Classe de Perfection mantan Balerina Prima Evgenia Pavlovna Sokolova (dia juga dilatih oleh Yekaterina Vazem , Christian Johansson , Lev Ivanov , Nikolai Legat dan Pavel Gerdt ).

Balet tidak datang dengan mudah ke Vaganova di tahun-tahun pertamanya sebagai mahasiswa, tetapi perlahan-lahan, melalui upaya kemauannya sendiri, dia dapat bergabung dengan Imperial Ballet yang termasyhur setelah kelulusannya. Pada saat ia mencapai pangkat solois, balet-balet Saint Petersburg menjulukinya ratu variasi , karena keahlian dan tingkat tekniknya yang tak terbatas.

Maestro Petipa yang lama tidak terlalu peduli pada Vaganova sebagai penari – setiap penyebutan penampilannya dalam buku hariannya biasanya diikuti dengan komentar seperti “mengerikan” atau “mengerikan”. Pada tahun 1915, Master Balet Nikolai Legat menjadikan Vaganova sebagai Dewi Niriti dalam kebangkitannya pada balet akbar Petipa tahun 1889, The Talisman . Penggambaran Vaganova sukses besar, dan memenangkan promosi ke peringkat Prima . Meski demikian, ia memilih pensiun satu tahun kemudian untuk berkonsentrasi mengajar.

Dia mulai mengajar balet pada tahun 1916 di Sekolah Armada Baltik yang didirikan dan dipimpin oleh Akim Volynsky. Pada tahun 1921 Vaganova mulai mengajar di Kolese Koreografi , sehingga pada waktu itu disebut bekas Sekolah Teater Kekaisaran yang terletak di jalan Rossi (setelah departemen balet revolusi dipisahkan dari Drama dan Musik). Meskipun dia memiliki karir yang terhormat sebagai penari, kepemimpinannya dalam mengajar tari klasik adalah apa yang memberinya salah satu tempat paling dihormati dalam sejarah balet. Perjuangan awalnya sendiri dengan menguraikan teknik balet telah mengajarinya banyak hal. Dia mengajar siswa yang akan menjadi legenda tarian.

Setelah Revolusi Oktober , masa depan balet di Rusia tampak suram karena tradisinya sebagai hiburan istana. Vaganova “berjuang mati-matian”, seperti yang dia katakan, untuk pelestarian warisan Marius Petipa dan Balet Kekaisaran. Dari tahun 1931 hingga 1937 ia adalah direktur artistik balet Opera Leningrad dan Teater Balet ( Balet Kirov ). Pada tahun 1933, ia mementaskan versi klasik Swan Lake oleh Lev Ivanov dan Marius Petipa dengan Galina Ulanova sebagai Odette, Olga Jordan sebagai Odile dan Konstantin Sergeyev sebagai Pangeran Siegfried. Pada tahun 1935 ia menghidupkan kembali La Esmeralda sebagian dengan koreografinya sendiri.

Pada tahun 1934 ia menerbitkan bukunya yang terkenal Fundamentals of Classical Dance : telah bertahan setidaknya enam edisi di Rusia dan diterjemahkan ke dalam banyak bahasa.Pada tahun yang sama Vaganova (bersama dengan Boris Shavrov) memprakarsai pendirian departemen pedagogik di Konservatorium Leningrad untuk pelatihan guru balet masa depan yang ia mulai kelola. Di situ, sebagian alumni sekolah tarinya jadi muridnya. Nama paling penting untuk pengajaran tari adalah Vera Kostrovitskaya (penulis 100 pelajaran tari klasik ), Nadezhda Bazarova dan Varvara P. Mey(penulis Alfabet Tari Klasik ).

Di antara alumni tari Vaganova merupakan balerina Soviet terkenal Marina Semyonova, Olga Jordan, Galina Ulanova, Tatiana Vecheslova, Feya Balabina, Natalia Dudinskaya, Galina Kirillova, Alla Shelest , Ninel Petrova, Nonna Yastrebova, Olga Moiseeva, Lyudmila Safronova, Ninel Kurgapkina , Alla Osipenko dan Irina Kolpakova di antara banyak lainnya.

Pengajarannya menggabungkan gaya yang elegan dan halus dari Sekolah Prancis lama yang telah diajarkan oleh Vaganova oleh Christian Johansson , keindahan dan kelancaran gerakan lengan Sekolah Rusia kuno, teknik kaki yang kuat dan mahir dari Sekolah Italia dengan tarian yang lebih bersemangat yang dikembangkan di sekolah tersebut. Uni Soviet. Wisuda sekolah terakhirnya merupakan pada tahun 1951— tidak lama saat sebelum kematiannya.

Tak lama setelah kematiannya, pada 1 November 1951, Choreographic College di Rossi Street diganti namanya untuk menghormatinya; pada tahun 1961, ia menerima gelar “akademik” dan pada tahun 1991 mulai menggunakan nama Akademi Balet Rusia Vaganova .

Sejarah Balet Swan Lake, Berkisah Tentang Odette

Sejarah Balet Swan Lake, Berkisah Tentang Odette – Swan Lake adalah sebuah balet yang digubah oleh komposer Rusia Pyotr Ilyich Tchaikovsky pada tahun 1875–76. Walaupun awal mulanya kandas, saat ini jadi salah satu balet sangat terkenal sepanjang masa. Skenario, awalnya dalam dua babak, dibuat dari cerita rakyat Rusia dan Jerman dan menceritakan kisah Odette, seorang putri berubah menjadi angsa oleh kutukan penyihir jahat. Koreograf dari penciptaan aslinya merupakan Julius Reisinger( Václav Reisinger).

Sejarah Balet Swan Lake, Berkisah Tentang Odette

koltunballetacademy – Balet ini ditayangkan perdana oleh Bolshoi Ballet pada 4 Maret [ OS 20 Februari] 1877 di Bolshoi Theatre di Moskow . Meskipun disajikan dalam berbagai versi, yang paling perusahaan balet dasar stagings mereka baik choreographically dan musik pada 1895 kebangkitan dari Marius Petipa danLev Ivanov , pertama kali dipentaskan untuk Imperial Ballet pada 15 Januari 1895, di Pentas Mariinsky di St. Petersburg. Buat kebangkitan ini, angka Tchaikovsky direvisi oleh kepala konduktor serta komposer Pentas Imperium St. Petersburg, Riccardo Drigo.

Baca Juga : Sejarah Balet Mariinsky, Ballet Klasik Yang Berbasis di Teater Mariinsky

Sejarah

Tidak terdapat fakta buat meyakinkan siapa yang menulis libretto asli, ataupun dari mana ilham alur itu berawal. Narasi orang Rusia serta Jerman sudah diusulkan selaku pangkal yang membolehkan, tercantum” Angsa Putih” serta” Kerudung yang Dicuri” oleh Johann Karl August Musäus, namun kedua narasi itu berlainan dengan cara penting dari balet.

Satu filosofi merupakan kalau koreograf asli, Julius Reisinger, yang merupakan seseorang Bohemia( serta sebab itu bisa jadi bersahabat dengan The Stolen Veil), menghasilkan narasi. Teori lain adalah bahwa hal itu ditulis oleh Vladimir Petrovich Begichev, direktur Teater Moskow Imperial pada saat itu, mungkin dengan Vasily Geltser, danseur dari Moskow Imperial Teater Bolshoi(salinan libretto yang masih hidup menyandang namanya). Sebab libretto awal yang diterbitkan tidak cocok dengan nada Tchaikovsky di banyak tempat, satu filosofi merupakan kalau tipe awal yang diterbitkan ditulis oleh seseorang wartawan sehabis memandang bimbingan dini ( penciptaan opera serta balet terkini senantiasa dikabarkan di pesan berita, bersama dengan skrip tiap- tiap.)

Beberapa orang sezaman dengan Tchaikovsky mengingat sang komposer sangat tertarik pada kisah hidup Raja Bavaria Ludwig II , yang hidupnya konon ditandai dengan lambang Angsa dan bisa jadi merupakan prototipe dari pemimpi Pangeran Siegfried. Begichev memesan angka Swan Lake dari Tchaikovsky pada Mei 1875 dengan harga 800 rubel. Tchaikovsky bertugas cuma dengan garis besar bawah dari Julius Reisinger mengenai persyaratan buat tiap gaya tari. Namun, tidak seperti instruksi untuk lagu The Sleeping Beauty dan The Nutcracker , tidak ada instruksi tertulis yang diketahui bertahan.

Pengaruh Tchaikovsky

Dari sekitar waktu pergantian abad ke-19 sampai awal tahun 1890-an, skor untuk balet hampir selalu ditulis oleh komposer yang dikenal sebagai “spesialis,” yang sangat terampil dalam mencetak musik yang ringan, dekoratif, merdu, dan berirama jernih. itu pada waktu itu dalam mode balet. Tchaikovsky mempelajari musik “spesialis” seperti Cesare Pugni dari Italia dan Ludwig Minkus dari Austria , sebelum mulai bekerja di Swan Lake .

Tchaikovsky memiliki pendapat yang agak negatif tentang musik balet “spesialis” sampai dia mempelajarinya secara rinci, terkesan oleh variasi melodi menular yang hampir tak terbatas yang terkandung dalam skor mereka. Tchaikovsky paling mengagumi musik balet dari komposer seperti Léo Delibes , Adolphe Adam , dan kemudian, Riccardo Drigo . Ia setelah itu menulis pada anak didiknya, komposer Sergei Taneyev,” Aku mencermati balet Delibes Sylvia… pesona apa, kecantikan apa, kekayaan melodi, irama, serta keseimbangan. Saya malu, karena jika saya mengetahuinya musik ini, saya tidak akan menulis Swan Lake .” Tchaikovsky paling mengagumi skor 1844 Adam untuk Giselle , yang menggunakanTeknik Leitmotif : mengaitkan tema tertentu dengan karakter atau suasana hati tertentu, teknik yang akan ia gunakan di Swan Lake , dan kemudian, The Sleeping Beauty .

Tchaikovsky menggunakan komposisi sebelumnya untuk skor Swan Lake -nya. Menurut dua kerabat Tchaikovsky – keponakannya Yuri Lvovich Davydov dan keponakannya Anna Meck-Davydova – komposer sebelumnya telah menciptakan balet kecil yang disebut The Lake of the Swans di rumah mereka pada tahun 1871. Balet ini termasuk Leitmotif yang terkenal , Tema Angsa atau Lagu Angsa . Dia juga memanfaatkan materi dari The Voyevoda , sebuah opera yang dia tinggalkan pada tahun 1868. Nomor lain yang termasuk tema dari The Voyevoda adalah Entr’acte dari adegan keempat dan pembukaan Finale (Act IV, No. 29) . The Grand pepatah(alias Duet Cinta ) dari adegan kedua Swan Lake dibuat dari duet cinta terakhir dari opera Undina (Tchaikovsky) , yang ditinggalkan pada tahun 1873.

Pada April 1876, skor selesai, dan latihan dimulai. Segera Reisinger mulai mengesampingkan angka-angka tertentu yang dia juluki “tidak dapat ditarik”. Reisinger bahkan mulai membuat koreografi tarian dengan musik komposer lain, tetapi Tchaikovsky memprotes dan karya-karyanya dikembalikan. Meskipun kedua seniman itu diminta untuk berkolaborasi, masing-masing tampaknya lebih suka bekerja sebebas mungkin dari yang lain.

Proses komposisi

Kebahagiaan Tchaikovsky dengan Swan Lake teruji dari kecekatan komposisinya: ditugaskan pada masa semi 1875, buatan itu terbuat dalam durasi satu tahun. Surat-suratnya kepada Sergei Taneyevdari Agustus 1875 menunjukkan, bagaimanapun, bahwa bukan hanya kegembiraannya yang memaksanya untuk membuatnya begitu cepat tetapi keinginannya untuk menyelesaikannya sesegera mungkin, sehingga memungkinkan dia untuk memulai sebuah opera.

Masing-masing, ia menciptakan skor dari tiga nomor pertama balet, kemudian orkestrasi di musim gugur dan musim dingin, dan masih berjuang dengan instrumentasi di musim semi. Pada April 1876, pekerjaan itu selesai. Penyebutan draf oleh Tchaikovsky menunjukkan adanya semacam abstrak tetapi tidak ada draf semacam itu yang pernah terlihat. Tchaikovsky menulis berbagai surat kepada teman-temannya yang mengungkapkan keinginannya yang sudah lama untuk bekerja dengan jenis musik ini, dan kegembiraannya tentang tugas yang merangsang, meskipun melelahkan saat ini.

Produksi asli tahun 1877

Pertunjukan perdana pada hari Jumat, 4 Maret 1877, diberikan sebagai pertunjukan amal untuk balerina Pelageya Karpakova (juga dikenal sebagai Polina Karpakova), yang memainkan peran Odette, dengan penari utama Victor Gillert sebagai Pangeran Siegfried. Karpakova mungkin juga menari bagian Odile, meskipun diyakini balet awalnya memanggil dua penari yang berbeda. Sekarang sudah menjadi kebiasaan umum bagi balerina yang sama untuk menari baik Odette maupun Odile. Balerina Rusia Anna Sobeshchanskaya awal mulanya berfungsi selaku Odette, namun digantikan kala seseorang administratur rezim di Moskow meringik mengenai ia, mengklaim kalau ia sudah menyambut perhiasan darinya, cuma buat setelah itu menikahi sesama penari dan menjualnya dengan uang tunai.

Premire tidak diterima dengan baik. Meskipun ada beberapa kritikus yang mengakui keunggulan skor, sebagian besar menganggapnya terlalu rumit untuk balet. Itu diberi label “terlalu berisik, terlalu ‘ Wagnerian ‘ dan terlalu simfoni.” Para kritikus juga menganggap koreografi Reisinger “tidak imajinatif dan sama sekali tidak dapat diingat.” Asal Jerman dari narasi itu” diperlakukan dengan kebimbangan sedangkan cerita itu sendiri dikira selaku bego dengan julukan keluarga yang tidak bisa diucapkan buat cirinya.” Karpakova merupakan solois inferior serta” tidak sangat memastikan.”

Kemiskinan produksi, yang berarti dekorasi dan kostum, tidak adanya pemain yang luar biasa, kelemahan imajinasi Balletmaster, dan, akhirnya, orkestra semua ini bersama-sama memungkinkan (Tchaikovsky) dengan alasan yang baik untuk menyalahkan kegagalan pada orang lain. Namun faktanya tetap (dan terlalu sering dihilangkan dalam akun produksi awal ini) bahwa pementasan ini bertahan selama enam tahun dengan total 41 pertunjukan – lebih banyak dari beberapa balet lain dari repertoar teater ini.

Tchaikovsky pas de deux 1877

Pada tanggal 26 April 1877, Anna Sobeshchanskaya membuat debutnya sebagai Odette/Odile di Swan Lake , dan sejak awal, dia benar-benar tidak puas dengan balet. Sobeshchanskaya meminta Marius Petipa — Premier Maître de Ballet dari Teater Kekaisaran St. Petersburg — untuk membuat koreografi a pas de deux untuk menggantikan pas de enam di babak ketiga (bagi seorang balerina untuk meminta pas tambahan atau variasi adalah praktik standar di abad ke-19- balet abad, dan sering kali tarian “custom-made” ini adalah milik hukum balerina yang mereka ciptakan). Petipa menghasilkan cocok de deux to music oleh Ludwig Minkus, komposer balet di St Petersburg Imperial Theatres. Potongan itu adalah pas de deux classique standar yang terdiri dari hidangan pendek , pepatah besar , variasi untuk setiap penari secara individu, dan sebuah coda .

Tchaikovsky marah dengan pergantian ini, melaporkan kalau apakah balet itu bagus ataupun kurang baik, ia sendiri yang wajib bertanggung jawab atas musiknya. Dia setuju untuk membuat pas de deux baru , tetapi segera muncul masalah: Sobeshchanskaya ingin mempertahankan koreografi Petipa. Tchaikovsky setuju untuk menulis pas de deux yang akan cocok dengan tingkat seperti itu, balerina bahkan tidak perlu berlatih. Sobeshchanskaya sangat senang dengan musik baru Tchaikovsky, dia meminta dia membuat variasi tambahan, yang dia lakukan.

Sampai tahun 1953 pas de deux ini dianggap hilang, sampai sebuah lagu repétiteur secara tidak sengaja ditemukan di arsip Teater Bolshoi Moskow, di antara bagian orkestra untuk kebangkitan Alexander Gorsky di Le Corsaire (Gorsky telah memasukkan karya tersebut ke dalam versinya Le Corsaire dipentaskan pada tahun 1912). Pada tahun 1960 George Balanchine membuat koreografi pas de deux untuk musik ini untuk Violette Verdy dan Conrad Ludlow , tampil di Pusat Musik dan Drama Kota di Kota New York sebagai Tschaikovsky Pas de Deux , seperti yang masih dikenal dan ditampilkan hingga sekarang.

Produksi berikutnya 1879–1894

Pengganti Julius Reisinger sebagai balletmaster adalah Joseph Peter Hansen. Hansen melakukan banyak upaya untuk menyelamatkan Swan Lake dan pada 13 Januari 1880 ia mempersembahkan produksi balet baru untuk kinerja keuntungannya sendiri. Bagian dari Odette/Odile ditarikan oleh Evdokia Kalmykova, seorang siswa Sekolah Balet Kekaisaran Moskow , dengan Alfred Bekefi sebagai Pangeran Siegfried. Produksi ini diterima lebih baik daripada yang asli, tetapi tidak berarti sukses besar. Hansen mempersembahkan versi lain dari Swan Lake pada 28 Oktober 1882, lagi-lagi dengan Kalmykova sebagai Odette/Odile. Untuk produksi ini Hansen mengatur Grand Pas untuk adegan ballroom yang dia beri judul La Cosmopolitana . Ini diambil dari bagian Eropa dariGrand Pas d’action dikenal sebagai The Allegory of the Continents dari balet Marius Petipa tahun 1875 The Bandits hingga musik Ludwig Minkus . Swan Lake versi Hansen hanya diberikan empat kali, pertunjukan terakhir dilakukan pada 2 Januari 1883, dan segera balet dikeluarkan dari perbendaharaan sama sekali.

Secara keseluruhan, Swan Lake tampil 41 kali antara pertunjukan perdana dan pertunjukan terakhir tahun 1883 – pertunjukan yang agak lama untuk balet yang diterima dengan sangat buruk pada pemutaran perdana. Hansen jadi Balletmaster ke Alhambra Theatre di London serta pada 1 Desember 1884 beliau mempertunjukkan balet satu sesi bertajuk The Swans, yang termotivasi oleh segmen kedua Swan Lake. Musiknya digubah oleh chef d’orchestre Alhambra Theatre Georges Jacoby.

Adegan kedua Swan Lake kemudian dipresentasikan pada 21 Februari di Praha oleh Ballet of the National Theatre dalam versi yang dipasang oleh Balletmaster August Berger. Balet diserahkan sepanjang 2 konser yang dicoba oleh Tchaikovsky. Komposer mencatat dalam buku hariannya bahwa ia mengalami “momen kebahagiaan mutlak” ketika balet dilakukan. Penciptaan Berger menjajaki libretto tahun 1877, walaupun julukan Pangeran Siegfried serta Benno diganti jadi Jaroslav serta Zdeňek, dengan kedudukan Benno ditarikan oleh seseorang bedaya perempuan en travestie. Kedudukan Pangeran Siegfried ditarikan oleh Berger sendiri dengan balerina Giulietta Paltriniera- Bergrova selaku Odette. Penciptaan Berger cuma diserahkan 8 pementasan serta apalagi direncanakan buat penciptaan di Halaman Fantasia di Moskow pada tahun 1893, namun tidak sempat terkabul.

Kebangkitan Petipa–Ivanov–Drigo tahun 1895

Sepanjang akhir 1880- an serta dini 1890- an, Petipa serta Vsevolozhsky bertukar pikiran dengan Tchaikovsky mengenai mungkin menghidupkan kembali Swan Lake. Namun, Tchaikovsky meninggal pada 6 November 1893, tepat ketika rencana untuk menghidupkan kembali Swan Lake mulai membuahkan hasil. Sedang belum tentu apakah Tchaikovsky sedia buat merevisi nada buat kebangkitan ini. Apapun masalahnya, sebagai akibat dari kematian Tchaikovsky, Drigo terpaksa merevisi skornya sendiri, setelah menerima persetujuan dari adik laki-laki Tchaikovsky, Modest . Ada perbedaan utamaantara skor Danau Swan Drigo dan Tchaikovsky. Hari ini, revisi skor Tchaikovsky dari Riccardo Drigo, dan bukan skor asli Tchaikovsky tahun 1877, yang digunakan sebagian besar perusahaan balet.

Pada bulan Februari 1894, dua konser peringatan yang direncanakan oleh Vsevolozhsky diberikan untuk menghormati Tchaikovsky. Produksi termasuk babak kedua Swan Lake , dikoreografikan oleh Lev Ivanov , Balletmaster Kedua ke Imperial Ballet. Koreografi Ivanov untuk konser peringatan dengan suara bulat dipuji sebagai luar biasa. Kebangkitan Swan Lake direncanakan untuk kinerja keuntungan Pierina Legnani di musim 1894–1895. Kematian Tsar Alexander III pada 1 November 1894 dan masa berkabung resmi berikutnya membuat semua pertunjukan dan latihan balet berakhir untuk beberapa waktu, dan sebagai hasilnya semua upaya dapat dikonsentrasikan pada pra-produksi kebangkitan penuh Swan Danau . Ivanov dan Petipa berkolaborasi dalam produksi, dengan Ivanov mempertahankan tariannya untuk babak kedua sementara koreografi yang keempat, dengan Petipa mementaskan babak pertama dan ketiga.

Tchaikovsky yang sederhana dipanggil untuk membuat perubahan pada libretto balet, termasuk karakter Odette yang berubah dari peri angsa menjadi wanita fana terkutuk, penjahat balet berubah dari ibu tiri Odette menjadi pesulap von Rothbart, dan akhir balet: sebagai gantinya kekasih hanya tenggelam di tangan ibu tiri Odette seperti dalam skenario asli tahun 1877, Odette melakukan bunuh diri dengan menenggelamkan dirinya sendiri, dengan Pangeran Siegfried memilih untuk mati juga, daripada hidup tanpanya, dan segera roh para kekasih bersatu kembali dalam pendewaan. Selain revisi libretto, balet diubah dari empat babak menjadi tiga—dengan babak 2 menjadi babak 1, adegan 2.

Semua sudah siap pada awal tahun 1895 dan pertunjukan balet tersebut ditayangkan perdana pada hari Jumat, 27 Januari. Pierina Legnani berajojing Odette/ Odile, dengan Pavel Gerdt selaku Pangeran Siegfried, Alexei Bulgakov selaku Rothbart, serta Alexander Oblakov selaku Benno. Sebagian besar ulasan di surat kabar St. Petersburg adalah positif. Berlainan dengan pemutaran kesatu The Sleeping Beauty, Swan Lake tidak memimpin kekayaan Pentas Mariinsky di masa pertamanya. Itu diberikan hanya enam belas pertunjukan antara premier dan musim 1895-1896, dan tidak dilakukan sama sekali pada tahun 1897. Yang lebih mengejutkan, balet dilakukan hanya empat kali pada tahun 1898 dan 1899. Balet hanya dimiliki oleh Legnani sampai dia pergi St. Petersburg buat negeri asalnya Italia pada tahun 1901. Setelah kepergiannya, balet diambil alih oleh Mathilde Kschessinskaya , yang sama terkenalnya dengan peran pendahulunya di Italia.

Sejarah Balet Mariinsky, Ballet Klasik Yang Berbasis di Teater Mariinsky

Sejarah Balet Mariinsky, Ballet Klasik Yang Berbasis di Teater Mariinsky – Mariinsky Ballet adalah klasik balet perusahaan yang berbasis di Teater Mariinsky di Saint Petersburg, Rusia. Didirikan pada abad kesembilan belas dan awalnya dikenal sebagai Imperial Russian Ballet , Mariinsky Ballet adalah salah satu perusahaan balet terkemuka di dunia. Secara internasional, Ballet Mariinsky yang paling umum dikenal oleh mantan Soviet nama Ballet Kirov , judul yang masih digunakan oleh perusahaan saat touring. The Mariisnky Ballet adalah perusahaan induk dari Vaganova Ballet Academy, sebuah sekolah balet internasional terkemuka.

Sejarah Balet Mariinsky, Ballet Klasik Yang Berbasis di Teater Mariinsky

koltunballetacademy – Lembaga besar tari klasik didirikan oleh Anna dari Rusia dan didanai oleh Tsar . Setelah Revolusi Oktober 1917, master balet Agrippina Vaganova bertekad untuk melanjutkan tradisi dan metode Balet Kekaisaran Rusia. Metodenya meletakkan dasar bagi pembentukan dan pengembangan balet klasik di dunia.

Baca Juga : Mengulas Tentang Arabesque, Posisi Tubuh Dalam Ballet 

Sejarah

Balet Mariinsky , juga dieja Maryinsky , Balet Mariinsky Rusia , sebelumnya (1935–91) Kirov Ballet , perusahaan balet Rusia terkemuka, bagian dari Teater Opera dan Balet Mariinsky di St. Petersburg . Tradisinya, yang diturunkan dari pendahulunya, Balet Kekaisaran Rusia, didasarkan pada karya koreografer terkemuka abad ke-19 seperti Jules Perrot , Arthur Saint-Léon , dan Marius Petipa dan penari seperti Marie Taglioni , Olga Preobrajenska , Mathilde Kschessinska , Anna Pavlova , Vaslav Nijinsky ,Tamara Karsavina , Michel Fokine , George Balanchine , dan Alexandra Danilova .

Balet Mariinsky didirikan pada 1740-an, mengikuti pembentukan sekolah tari Rusia pertama pada 1738. Sekolah Teater Kekaisaran, seperti yang awalnya dikenal, didirikan pada 4 Mei 1738, di Istana Musim Dingin di Saint Petersburg . Itu akan menjadi pendahulu Akademi Balet Rusia Vaganova hari ini . Direktur pendiri sekolah adalah master dan guru balet Prancis Jean-Baptiste Landé dan tujuan mendirikan sekolah tersebut adalah untuk melatih penari muda untuk membentuk perusahaan balet Rusia pertama. Kelompok siswa pertama terdiri dari dua belas anak laki-laki dan dua belas perempuan, yang kemudian membentuk apa yang akan menjadi pendahulu Balet Mariinsky hari ini.

Perusahaan ini dimulai sebagai akademi menari yang didirikan di St. Petersburg pada tahun 1738. Pertunjukan awalnya dilakukan di depan istana kerajaan, dan, setelah tahun 1780, di Teater Petrovsky (sekarang Bolshoi) . Balet Kekaisaran Rusia didirikan sebagai perusahaan profesional dan menjadi pusat balet Rusia. Pada akhir abad ke-19 perusahaan pindah ke Teater Mariinsky , di mana ia menjadi perusahaan balet penduduk, memperoleh nama Mariinsky. Dengan Revolusi Oktober 1917, perusahaan kehilangan 40 persen personelnya tetapi mampu mempertahankan repertoar dan kecakapan teknisnya di bawah bimbingan guru.Agrippina Vaganova dan direktur artistikKonstantin Sergeyev . Selama periode Soviet , teater tersebut berganti nama menjadi Teater Opera dan Balet Akademik Negara SM Kirov, dan perusahaan tersebut dikenal sebagai Balet Kirov. Karya-karya baru tentang tema-tema heroik telah diproduksi, serta karya-karya eksperimental seperti The Coast of Hope (1959) karya Igor Belsky . Setelah tahun 1961 perusahaan melakukan tur ke Eropa Barat, Amerika Serikat, dan Kanada. Dengan pecahnya Uni Soviet pada tahun 1991, teater dan perusahaan tersebut mendapatkan kembali nama Mariinsky mereka.

Sejarah Balet Mariinsky terkait erat dengan sejarah seni koreografi Eropa. Awal mula dan kemunculan perusahaan Pengadilan St Petersburg terkait dengan aktivitas para master balet asing. Dalam 18 th dan 19 th abad fondasi repertoar balet teater diletakkan oleh produksi oleh koreografer dari Italia dan Perancis yang diundang ke Rusia yang juga diajarkan di sekolah – pelatihan penari Rusia untuk melakukan balet mereka. Pada akhir abad ke – 18 Giuseppe Canziani dan Charles Le Picq bekerja di Rusia dan koreografer Rusia pertama Ivan Valberkh belajar melalui karya-karya mereka. Dalam 19 th panggung ibukota kekaisaran diperintah oleh balet oleh orang Prancis Charles Didelot, Jules Perrot dan Arthur Saint-Léon, sementara pada tahun 1847 Marius Petipa memulai debutnya di St Petersburg sebagai penari dan koreografer. Setelah menjabat sebagai Master Ballet Utama teater, selama karirnya yang panjang sebagai koreografer (mencakup hampir enam puluh tahun), ia mengembangkan bentuk balet besar – produksi multi-babak, plot yang menggabungkan adegan-adegan ansambel klasik yang dikembangkan sepenuhnya, tarian karakter yang penuh warna, adegan tontonan bergenre dan pantomim.

Bahkan hari ini balet The Sleeping Beauty, Swan Lake (bersama dengan koreografer Lev Ivanov) dan Raymonda dibuat dengan komposer simfoni Pyotr Tchaikovsky dan Alexander Glazunov merupakan bagian dari “cadangan emas” warisan klasik dan menghiasi repertoar teater. Pada pergantian 19 th dan 20 th abad, Ballet Mariinsky terkenal karena galaksi dari pemain bintang: Mathilde Kschessinska, Olga Preobrazhenskaya, Anna Pavlova, Tamara Karsavina, Pavel Gerdt, Nikolai dan Sergei Legat dan Vaslav Nijinsky. Banyak dari penari ini mempersembahkan balet Rusia selama Saisons russes legendaris Diaghilev, berkat Eropa yang menemukan seni avant-garde Rusia saat itu dan koreografer St Petersburg Michel Fokine dan George Balanchine yang telah berangkat di Teater Mariinsky dan meluncurkan karir internasional mereka.

Sangat sedikit informasi yang ada dari tahun-tahun pembentukan perusahaan balet, namun diketahui bahwa sekolah dan perusahaan balet dihubungkan dengan nama, menjadi Sekolah Balet Kekaisaran dan Balet Kekaisaran Rusia, nama yang terus digunakan sampai penghapusan Aturan kekaisaran. Pada akhir abad ke-18 dan awal abad ke-19, Balet Kekaisaran Rusia segera menjadi terkenal dan akan menggunakan beberapa nama yang paling berpengaruh dan terkenal dalam sejarah balet termasuk Charles Didelot , Marie Taglioni , Christian Johansson , Enrico Cecchetti , Jules Perrot , Fanny Cerrito , dan Carlotta Grisi .

Sebagai Balet Kekaisaran Rusia, perusahaan ini paling terkenal karena menampilkan berbagai balet oleh koreografer terkenal Marius Petipa . Dia menciptakan banyak karyanya yang paling terkenal selama waktunya sebagai master balet dan direktur perusahaan pada pertengahan hingga akhir 1800-an. Sejumlah baletnya sekarang menjadi dasar dari repertoar balet klasik tradisional, yang dibawakan oleh perusahaan balet di seluruh dunia, dan sering mempertahankan sebagian besar koreografi Petipa. Balet ini termasuk produksi asli The Nutcracker , The Sleeping Beauty , Don Quixote , La Bayadère , dan Raymonda ; dan kebangkitan populer balet tua, termasuk Coppélia , Giselle, dan Le Corsaire . Kebangkitan Petipa tentang balet Swan Lake mungkin adalah karyanya yang paling terkenal untuk perusahaan. Awalnya dikoreografi oleh Julius Reisinger untuk Teater Bolshoi pada tahun 1877, Swan Lake pada awalnya merupakan kegagalan kritis dan komersial.

Petipa berusaha untuk menghidupkan kembali balet dengan restu dari Pyotr Ilyich Tchaikovsky , tetapi sang komposer meninggal sebelum balet baru diciptakan. Petipa akibatnya bekerja dengan saudaranya Modest Tchaikovsky , yang secara signifikan merevisi cerita dan menulis ulang libretto ke versi yang sekarang biasa dilakukan. Produksi ini dikoreografikan oleh Petipa dan kolaboratornya Lev Ivanov. Tayang perdana di Teater Mariinsky pada tahun 1895, produksi Swan Lake Petipa/Ivanov/Tchaikovsky sukses besar dan sekarang dianggap sebagai balet paling terkenal sepanjang masa. Hampir semua produksi Swan Lake berikutnya didasarkan pada produksi tahun 1895 ini. Setelah Revolusi Rusia , pemerintah Soviet memutuskan bahwa sekolah balet dan perusahaan adalah simbol yang tidak diinginkan dari rezim tsar dan menutup keduanya. Perusahaan balet adalah yang pertama didirikan kembali, dikenal sebagai Balet Soviet, dengan sekolah dibuka kembali kemudian sebagai Sekolah Koreografi Negara Leningrad, keduanya tetap berada di lokasi sebelumnya.

Setelah pembunuhan tokoh Soviet terkemuka Sergey Kirov pada tahun 1934, Balet Soviet berganti nama menjadi Balet Kirov, [1] sebuah nama yang terkadang masih salah digunakan. Setelah berakhirnya pemerintahan Komunis, perusahaan balet dan perusahaan opera diganti namanya menjadi teater, menjadi Mariinsky Ballet dan Mariinsky Opera. Kedua perusahaan sekarang dijalankan oleh teater itu sendiri. Terlepas dari semua perubahan ini, Balet Mariinsky saat ini masih terkait dengan sekolah, yang sekarang menjadi Akademi Balet Vaganova. Pada tahun-tahun pasca-Revolusi yang sulit, banyak penari Teater Mariinsky meninggalkan negara itu. Namun sebagian besar melalui upaya Fyodor Lopukhov, seorang penikmat warisan tari dan koreografer eksperimentalis yang berani, teater mempertahankan repertoar klasiknya. Biliar balet diperluas untuk memasukkan karya-karya baru yang berhubungan dengan plot yang ada dalam konteks sejarah baru.

Akhir 1920-an dan 1930-an benar-benar lepas landas dari tingkat teknis penari: panggung Leningrad menyaksikan kedatangan Marina Semenova, Galina Ulanova, Natalia Dudinskaya, Tatiana Vecheslova, Alexei Yermolaev, Vakhtang Chabukiani dan Konstantin Sergeyev. Pada saat itu teater drama memberikan pengaruh besar pada balet. Keberhasilan karya yang diciptakan di Teater Kirov berdasarkan materi sastra – Rostislav Zakharov ini The Fountain of Bakhchisarai dan Leonid Lavrovsky ini Romeo dan Juliet – didefinisikan aturan drama-balet di panggung Soviet di pertengahan 20 th abad. Akhir 1950-an dan 1960-an di Kirov Ballet menonjol untuk pencarian Leonid Yakobson untuk citra plastik dalam bentuk produksi multi-bab dan miniatur, kebangkitan tradisi tarian simfoni dalam balet The Stone Flower dan The Legend of Love oleh Yuri Grigorovich dan Shore of Hope dan Leningrad Symphony oleh Igor Belsky. Keberhasilan produksi baru ini juga dipastikan oleh keterampilan dan ekspresi para penari Alla Shelest, Irina Kolpakova, Gabriela Komleva, Natalia Makarova, Alla Osipenko, Alla Sizova, Mikhail Baryshnikov, Rudolf Nureyev dan Yuri Soloviev.

Pada 1970-an dan 1980-an setelah periode isolasi yang panjang, perusahaan menghidupkan kembali kontak dengan koreografer internasional; para penari Leningrad bekerja dengan Roland Petit, Maurice Béjart dan Jerome Robbins. Pada tahun 1989 produksi oleh George Balanchine dimasukkan dalam repertoar untuk pertama kalinya. Altynai Asylmuratova, Zhanna Ayupova, Galina Mezentseva, Tatiana Terekhova, Sergei Vikharev, Igor Zelensky dan Farukh Ruzimatov mendefinisikan wajah perusahaan balet di akhir abad ke -20. Sejak itu Teater Mariinsky secara aktif berkolaborasi dengan para pemimpin di bidang koreografi dunia. Perusahaan telah bekerja dengan John Neumeier, William Forsythe, Angelin Preljoçaj, Alexei Ratmansky, Sasha Waltz, Wayne McGregor dan Hans van Manen. Balet mereka, di samping karya-karya dari warisan klasik, 20 Karya agung dan produksi abad th oleh koreografer muda, terdiri dari repertoar perusahaan balet hari ini.

Balet Mariinsky saat ini diakui sebagai salah satu perusahaan balet terbesar di dunia, mempekerjakan lebih dari 200 penari, termasuk rombongan cadangan dan seniman karakter. Direktur Balet Mariinsky adalah Yuri Fateyev. Dimodelkan di teater opera/balet terkemuka lainnya seperti Royal Opera House , London dan La Scala , Milan , Mariinsky Ballet dan Mariinsky Opera keduanya berada di bawah manajemen Mariinsky Theatre, dengan Valery Gergiev sebagai Direktur Artistik. Gergiev juga menjabat sebagai Direktur perusahaan opera. Kedua perusahaan beroperasi sebagai unit terpisah.

Sangat sedikit informasi yang ada dari tahun-tahun formatif dari perusahaan balet, namun diketahui bahwa baik sekolah dan perusahaan balet itu terkait dengan nama, menjadi Imperial Ballet School dan Ballet Imperial Rusia, nama-nama yang terus digunakan sampai penghapusan Aturan kekaisaran. Pada akhir abad kedelapan belas dan awal abad kesembilan belas, Balet Kekaisaran Rusia segera menjadi terkenal dan akan menggunakan beberapa nama yang paling berpengaruh dan terkenal dalam sejarah balet termasuk Charles Didelot, Marie Taglioni, Christian Johansson, Enrico Cecchetti, Jules Perrot, Fanny Cerrito dan Carlotta Grisi.

Mengulas Tentang Arabesque, Posisi Tubuh Dalam Ballet

Mengulas Tentang Arabesque, Posisi Tubuh Dalam Ballet – Arabesque dalam tarian, terutama balet , adalah posisi tubuh di mana penari berdiri pada satu kaki-the pendukung kaki-dengan yang lain kaki-yang bekerja kaki- ternyata dan diperpanjang di belakang tubuh, dengan kedua kaki dipegang lurus. Dalam balet klasik , sebuah arab dapat dieksekusi dengan kaki pendukung en pointe atau demi pointe atau dengan kaki rata di lantai. Kaki yang bekerja dapat menyentuh lantai di bagian belakang tendu – par terre arabesque – atau ditinggikan.

Mengulas Tentang Arabesque, Posisi Tubuh Dalam Ballet

koltunballetacademy – Sudut elevasi umum dari kaki yang diangkat adalah 45° – demi hauteur – dan 90° – la hauteur . Ketika sudutnya jauh lebih besar dari 90° dan batang tubuh condong ke depan untuk mengimbangi kaki yang bekerja, posisi tersebut disebut arabesque penchée . Lengan dapat dipegang dalam berbagai posisi. Bahasa Arab digambarkan dari sudut pandang penari, dalam haltitik referensi tahap yang digunakan oleh sistem pelatihan.

Baca Juga : Balet Romantis dan Fakta Ballet Untuk Anak – Anak 

Galina Kekisheva , mantan solois Kirov Ballet yang belajar dengan Agrippina Vaganova di Leningrad School of Dance telah menjelaskan perubahan teknik balet Rusia dari waktu ke waktu. Sekarang tampaknya tidak penting di sekolah jika penari berdiri dengan kaki ditarik ke atas dengan benar, atau duduk kembali ke soket pinggul. Yang penting bagi penari masa kini adalah bahwa arabesque lebih tinggi dari kepala. Tidak ada arabesque rendah yang mempertahankan garis indah, arabesque dari mana, misalnya, Anda dapat melakukan belokan. Saat Anda duduk kembali di kaki [sendi berdiri], Anda tidak bisa pergi ke mana pun dari sana.

Kekisheva, yang sekarang menjadi pelatih balet Mariinsky , mengatakan bahwa “metode Vaganova menghilang, dan bekerja dalam repertoar klasik menjadi lebih sulit”. Dalam metode Agrippina Vaganova ada empat posisi arab dasar . Di sini dijelaskan untuk penari yang menghadap ke poin 8. Dalam latihan kelas, lengan selalu sejajar dengan bahu – arabesque de classe , sedangkan dalam pertunjukan, lengan di depan dapat diangkat di atas bahu – arabesque de scene . Siku selalu menghadap ke bawah.

  • Pada arabesque pertama , penari berdiri dalam posisi effacé – dengan kaki kiri di depan – dengan kaki kanan diangkat dalam bahasa arab , lengan kanan dijulurkan ke samping, ke arah penonton, dan lengan kiri dijulurkan ke depan, ke arah sudut. Tatapan mengikuti garis lengan yang diperpanjang en avant .
  • Dalam kedua arabesque kaki seperti dalam pertama arabesque , tapi lengan kanan adalah diperpanjang en avant sedangkan lengan kiri diperpanjang sejajar dengan bahu penari; bahu berada di épaulement sejajar dengan lengan dan pandangan diarahkan ke penonton. Wajah penari menoleh ke arah titik satu.
  • Pada arabesque ketiga penari berdiri dalam posisi croisé – dengan kaki kanan di depan – dengan kaki kiri diangkat dalam arabesque , lengan kanan direntangkan ke samping dan sedikit di belakang bahu, dan lengan kiri dijulurkan ke depan. Tatapan mengikuti garis lengan yang diperpanjang en avant .
  • Dalam keempat posisi arabesque penari berdiri di Croise sebagai untuk ketiga arabesque , tapi lengan kanan adalah diperpanjang depan dan lengan kiri diperpanjang sejauh mungkin sejalan dengan lengan kanan. Bahu berada dalam épaulement yang kuat dan fokus penari beralih ke penonton.

Teknik

Dalam tendue arabesque atau dégagé , kaki berasal dari pinggul dan tidak mempengaruhi kepercayaan diri karena punggung tetap lurus. Kebanyakan penari tidak memiliki rotasi absolut melalui kaki pendukung, oleh karena itu pinggul yang bekerja dapat terbuka tanpa mengangkat ke tulang rusuk bagian bawah, sedangkan pinggul pendukung terangkat ke depan di atas kaki pendukung, mempertahankan rotasi spiral melalui kaki. Ketika kaki digerakkan atau dipegang di atas 45 ° atau lebih, penari melengkungkan tulang belakang baik secara lateral maupun vertikal. Caranya adalah dengan:

  1. Jangkar bahu dan skapula ke bawah tanpa ketegangan, jaga agar kedua bahu “persegi” – sejajar sejajar dengan arah yang menghadap penari. Tulang dada harus terangkat tanpa terlalu melebarkan tulang rusuk.
  2. Pertahankan pinggul penopang ke depan, seperti yang disebutkan di atas. Tulang belakang melengkung ke depan, menjaga kepala tetap terangkat untuk fokus lurus ke depan hingga diagonal ke atas. Ketinggian dan derajat standar saat ini untuk arabesque Vaganova adalah 110 °. Metode Vaganova menyatakan bahwa, dalam balet klasik, baik kaki penopang maupun kaki kerja harus diputar sepenuhnya melalui kaki, tidak hanya dari pinggul, bahkan dalam arabesque penuh. Jika koreografi mengharuskan penari untuk membuka lengannya, penari harus memutar bahu di sekitar tulang belakang, sehingga bahu tidak mempengaruhi posisi punggung dan tulang belakang dan/atau bahu.

Perhatikan bahwa membiarkan penari membuka pinggul jelas berbeda dari beberapa metode lama, yang mengharuskan pinggul tetap turun. Menahan pinggul membatasi rentang gerak, membatasi kelengkungan penuh tulang belakang, (tidak membiarkan tulang belakang berputar ke samping, sehingga meningkatkan pemadatan tulang belakang); atau bagi kebanyakan penari, untuk menunjukkan kaki yang diputar ke luar. Membuka pinggul memungkinkan penari dengan tubuh bergerak yang lebih rendah untuk secara aman mencapai jangkauan gerak yang lebih besar dalam bahasa arab.

Balanchine

Schorer mengatakan pliée arab “baik untuk membangun kekuatan di kaki Anda untuk mengontrol laju penurunan untuk menahan tubuh Anda saat Anda mendarat”. Lutut penari yang ditekuk berada di atas jari kaki dan penari tidak boleh melakukan penchée atau miring ke depan. [3]

Akademi Tari Kerajaan

Dalam sistem RAD , ada tiga arabesque utama. Di sini mereka dijelaskan untuk seorang penari yang menghadapi poin 6:

  • Pertama arabesque diambil berdiri en ouvert pada kaki kanan dengan kaki kiri diperpanjang. Lengan kanan direntangkan ke depan setinggi mata, sejajar dengan bahu kanan. Lengan kiri berada di samping, sedikit di belakang dan di bawah bahu kiri.
  • Arabesque kedua memiliki nuansa yang lebih ‘persegi’. Penari berdiri dengan kaki kiri, dengan kaki kanan diluruskan. Lengan kanan direntangkan ke depan setinggi bahu, dan lengan kiri direntangkan langsung ke samping dari bahu. Ini juga dapat diambil en ouvert , berdiri di kaki kanan dan memperluas lengan kiri ke depan.
  • Arabesque ketiga diambil en ouvert . Penari berdiri di atas kaki kanannya, dengan kaki kiri diluruskan ke belakang. Lengan kanan direntangkan ke depan setinggi mata, dan lengan kiri direntangkan sejajar dengannya setinggi bahu.

Asal-usul Balet

Balet berasal dari pengadilan Renaisans Italia pada abad ke-15. Para bangsawan dan wanita disuguhi acara-acara mewah, terutama perayaan pernikahan, di mana tarian dan musik menciptakan tontonan yang rumit. Ahli menari mengajarkan langkah-langkah kepada kaum bangsawan, dan pengadilan berpartisipasi dalam pertunjukan. Pada abad ke-16, Catherine de Medici — seorang wanita bangsawan Italia, istri Raja Henry II dari Prancis dan pelindung seni yang hebat — mulai mendanai balet di istana Prancis. Festival-festivalnya yang rumit mendorong pertumbuhan balet de cour, sebuah program yang mencakup tarian, dekorasi, kostum, lagu, musik, dan puisi. Satu abad kemudian, Raja Louis XIV membantu mempopulerkan dan menstandardisasi bentuk seni.

Seorang penari yang bersemangat, ia melakukan banyak peran sendiri, termasuk Raja Matahari diBalet de la nuit . Kecintaannya pada balet mendorong peningkatannya dari masa lalu untuk amatir menjadi upaya yang membutuhkan pelatihan profesional. Pada 1661, sebuah akademi tari telah dibuka di Paris, dan pada 1681 balet dipindahkan dari pengadilan ke panggung. Opera Prancis Le Triomphe de l’Amour memasukkan elemen balet, menciptakan tradisi balet opera lama di Prancis. Pada pertengahan 1700-an master balet Prancis Jean Georges Noverre memberontak terhadap kecerdasan opera-balet, percaya bahwa balet dapat berdiri sendiri sebagai bentuk seni. Gagasannya — balet harus berisi gerakan ekspresif dan dramatis yang mengungkapkan hubungan antar karakter — memperkenalkan balet d’action , gaya balet dramatis yang menyampaikan narasi. Karya Noverre dianggap sebagai cikal bakal balet naratif abad ke-19.

Abad ke-19

Balet klasik awal seperti Giselle dan La Sylphide diciptakan selama Gerakan Romantis pada paruh pertama abad ke-19. Gerakan ini mempengaruhi seni, musik dan balet. Itu berkaitan dengan dunia supranatural roh dan sihir dan sering menunjukkan wanita sebagai pasif dan rapuh. Tema-tema ini tercermin dalam balet waktu itu dan disebut balet romantis. Ini juga merupakan periode saat menari di ujung jari kaki, yang dikenal sebagai pointe work , menjadi norma bagi balerina. Tutu romantis, rok penuh sepanjang betis yang terbuat dari tulle, diperkenalkan.

Popularitas balet melonjak di Rusia, dan, selama paruh kedua abad ke-19, koreografer dan komposer Rusia membawanya ke tingkat yang baru. Marius Petipa’s The Nutcracker , The Sleeping Beauty and Swan Lake , oleh Petipa dan Lev Ivanov, mewakili balet klasik dalam bentuk termegahnya. Tujuan utamanya adalah untuk menampilkan teknik klasik — pointe work, ekstensi tinggi, ketepatan gerakan dan turn-out (rotasi luar kaki dari pinggul) —secara maksimal. Urutan rumit yang memamerkan langkah-langkah yang menuntut, lompatan dan belokan dikoreografikan ke dalam cerita. Tutu klasik, jauh lebih pendek dan lebih kaku daripada tutu romantis, diperkenalkan saat ini untuk memperlihatkan kaki balerina dan kesulitan gerakan dan gerak kakinya.

Balet Saat Ini

Pada awal abad ke-20, koreografer Rusia Sergei Diaghilev dan Michel Fokine mulai bereksperimen dengan gerakan dan kostum, bergerak melampaui batas-batas bentuk dan cerita balet klasik. Diaghilev berkolaborasi dengan komposer Igor Stravinsky dalam balet The Rite of Spring , sebuah karya yang sangat berbeda —dengan musiknya yang disonan, kisahnya tentang pengorbanan manusia, dan gerakannya yang tidak biasa — sehingga membuat penonton riuh. Koreografer dan pendiri New York City Ballet George Balanchine,seorang Rusia yang beremigrasi ke Amerika, akan mengubah balet lebih jauh.

Dia memperkenalkan apa yang sekarang dikenal sebagai balet neo-klasik, sebuah perluasan dari bentuk klasik. Dia juga dianggap oleh banyak orang sebagai inovator terbesar dari balet “tanpa plot” kontemporer. Tanpa alur cerita yang pasti, tujuannya adalah untuk menggunakan gerakan untuk mengekspresikan musik dan untuk menerangi emosi dan usaha manusia. Saat ini, balet memiliki banyak segi. Bentuk-bentuk klasik, cerita tradisional dan inovasi koreografi kontemporer terjalin untuk menghasilkan karakter balet modern.

Balet Romantis dan Fakta Ballet Untuk Anak – Anak

Balet Romantis dan Fakta Ballet Untuk Anak – Anak – Ballet romantis didefinisikan terutama oleh era di balet di mana ide-ide dari Romantisisme dalam seni dan sastra dipengaruhi penciptaan balet. Era tersebut terjadi pada awal hingga pertengahan abad ke-19 terutama di Théâtre de l’Académie Royale de Musique dari Paris Opera Ballet dan Her Majesty’s Theatre di London . Hal ini biasanya dianggap telah dimulai dengan debut 1827 di Paris dari balerina Marie Taglioni dalam balet La Sylphide , dan telah mencapai puncaknya dengan pemutaran perdana pengalihan Pas de Quatre yang dipentaskan oleh Master BaletJules Perrot di London pada tahun 1845.

Balet Romantis dan Fakta Ballet Untuk Anak – Anak

koltunballetacademy – Balet Romantis tidak segera berakhir, melainkan kemunduran yang lambat. Balet Coppélia tahun 1870 karya Arthur Saint-Léon dianggap sebagai karya terakhir Balet Romantis. Selama era ini, pengembangan pointework , meskipun masih pada tahap yang cukup mendasar, sangat mempengaruhi persepsi orang tentang balerina. Banyak litograf pada periode itu menunjukkan dia hampir mengambang, hanya berada di ujung jari kaki. Gagasan tentang tanpa bobot ini dikapitalisasi dalam balet seperti La Sylphide dan Giselle , dan lompatan terkenal tampaknya dicoba oleh Carlotta Grisi di La Péri .

Baca Juga : Memahami Sejarah dan Jenis-jenis Ballet

Fitur lain yang membedakan balet Romantis adalah identitas yang terpisah dari scenaris atau penulis dari koreografer , dan penggunaan musik yang ditulis secara khusus sebagai lawan dari pastiche khas balet pada akhir abad ke-18 dan awal abad ke-19. Penemuan lampu gas memungkinkan perubahan bertahap dan meningkatkan kemisteriusan banyak balet dengan kilauannya yang lebih lembut. Ilusi menjadi lebih beragam dengan kabel dan pintu jebakan yang banyak digunakan.

Kultus balerina

Era Romantis menandai kebangkitan balerina sebagai bagian sentral dari balet, di mana sebelumnya laki-laki mendominasi pertunjukan. Selalu ada kekaguman pada penari superior, tetapi mengangkat balerina ke tingkat selebritas datang dengan sendirinya pada abad kesembilan belas, terutama ketika pemain wanita menjadi ideal dan objektif. Marie Taglioni menjadi balerina Romantis prototipikal, sangat dipuji karena liriknya. Gaya gerakan balerina Romantis dicirikan oleh lengan yang lembut dan bulat serta tubuh bagian atas yang dimiringkan ke depan. Ini memberi wanita itu tampilan yang berbunga-bunga dan ramping. Gerakan kaki menjadi lebih rumit karena panjang tutu baru dan meningkatnya standar kemahiran teknis. Termasuk balerina Romantis yang pentingMarie Taglioni , Carlotta Grisi , Lucille Grahn , Fanny Cerrito , Pauline Leroux dan Fanny Elssler .

Sementara balerina menjadi semakin mahir, penari pria menjadi langka, terutama di Paris (walaupun mereka masih umum di wilayah Eropa lainnya, seperti Denmark). Perihal ini menimbulkan timbulnya bedaya pelesetan wanita- seorang bedaya perempuan yang memainkan kedudukan pria. Sementara tarian parodi telah ada sebelum periode romantis, itu umumnya digunakan di bagian tablo dan walk-on (marcheuse). Sekarang menjadi pekerjaan berstatus tinggi, dan sejumlah balerina prima mengukir namanya dengan menari en travestie . Fanny Elssler dan saudara perempuannya memainkan peran parodi. Penari parodi yang paling terkenal adalah Eugénie Fiocre, yang merupakan penari pertama yang memainkan Frantz di Coppélia , serta sejumlah peran balerina.

Balet romantis muncul di awal xix E abad ( masa romantis ), dan berhasil dalam balet aksi yang Jean-Georges Noverre adalah teori besar. Periode balet romantis berlangsung sekitar tiga puluh tahun, dari tahun 1815 hingga 1845 – 1850 . The romantisme , muncul di akhir xviii th abad di Jerman ( Goethe dan Schiller ) dan Inggris ( Walter Scott dan Lord Byron ), menyebar di seluruh Eropa pada awal xix th abad dan menyentuh Perancis di bawah Restorasi , dengan penulis seperti Madame de Staël , Châteaubriand atau Lamartine , khususnya. Dalam musik , Beethoven adalah salah satu pionirnya (Les Créatures de Prométhée , Wina 1801: karya ini, satu-satunya balet dari pengarangnya, termasuk kebaruan lain dalam orkestrasi Beethovenian: ini adalah satu-satunya karya di mana Beethoven menggunakan harpa (n ° 5 balet).

Era baru terbuka dan tarian tidak luput: semua seniman memimpikan seni revolusioner yang terbebas dari setan-setan Rezim Kuno , napas baru, liris, eksotis, magis, sensual. Sementara di Paris pada tahun 1815 , datang dari Rusia , seorang murid Noverre , Charles Didelot mempersembahkan Flora dan Zephyr ke opera : para penari Albert dan M Miss Gosselin terbang di sekitar panggung, tergantung pada putra baja. Ini adalah kejutan bagi publik yang menemukan tarian udara yang halus. M Miss Gosselin telah merintis dua tahun lalu dengan berdiri di ujung .

Balet romantis secara bertahap meninggalkan para mitos dari Yunani kuno untuk beralih ke mitologi Nordik dihuni oleh elf , undines , troll . Ini adalah pemerintahan penari halus pucat, mewujudkan nostalgia dan limpa, mengenakan muslin uap dan dimahkotai dengan bunga liar. Gaun uap yang terkenal ini dikembangkan oleh couturier Prancis Eugène Lami. Penari, pada bagiannya, direduksi menjadi peran “pembawa”, menyoroti keanggunan dan kehalusan pasangannya. Penari harus menunggu sampai tahun 1930-an untuk melihat statusnya akhirnya berevolusi dari pembawa menjadi penari sejati, terima kasih khususnya kepada koreografer Serge Lifar , di Paris. Balet romantis pertama yang hebat adalah La Sylphide , ditayangkan perdana di Opera Paris pada12 Maret 1832oleh Filippo Taglioni untuk putrinya Marie . Ini adalah pendewaan balet putih yang akan menang selama tiga puluh tahun.

Untuk waktu yang lama, masalah balet romantis yang sebenarnya adalah musik.

Sejak Les Indes galantes ( opéra-balet ) oleh Rameau (1735), Don Juan oleh Gluck pada tahun 1761, dan Les Créatures de Prométhée oleh Beethoven pada tahun 1801, para koreografer sebagian besar puas dengan lebih sedikit musisi dan banyak balet oleh seniman. tenggelam terlupakan, dihadapkan dengan partisi miskin. Jadi Jean Schneitzhoëffer, pemain timpani Opera, menggubah La Sylphide , yang musiknya, diakui mudah dan merdu, segera dilupakan begitu didengar, seperti halnya dengan banyak karya Cesare Pugni atau Ludwig Minkus., untuk membaca tidak ada orang lain selain mereka. Koreografer Denmark August Bournonville (1805-1879), pada tahun 1836 akan mempersembahkan versi baru La Sylphide , dengan musik baru oleh Hermann Lovenskjold muda, juga sangat “menyenangkan” , tetapi sedikit menggugah misteri Skotlandia seperti yang pertama !

Pengecualian penting tetap La Fille mal gardée oleh Ferdinand Hérold (1828), sebuah balet romantis asli dalam materi pelajaran, benar-benar lucu dan tanpa referensi ke supranatural Nordik. Tidak sampai tahun 1840-an untuk melihat perkembangan musik dimulai. Adolphe Adam tetap menjadi pionir dalam hal ini, menjadi yang pertama memperkenalkan prinsip leitmotif dalam balet : motif atau tema musik yang kembali di seluruh karya untuk membangkitkan karakter, objek, emosi. Giselle (1841) adalah contoh yang sangat baik. Nilai musik balet tumbuh, terutama dengan Adolphe Adam ( Le Diable quatre 1845, La Jolie fille de Gand 1847, Le Corsaire 1856), Daniel François Esprit Auber ( Marco Spada 1857), Jacques Offenbach ( Le Papillon1860), Léo Delibes ( Coppélia 1870; Sylvia 1876)

Teman – teman Tchaikovsky akan mencoba mencegahnya menulis musik balet, “genre yang lebih rendah” , jawabannya tidak akan menarik: “Tidak ada genre yang lebih rendah dalam musik, hanya ada musisi kecil. ! ” . Pengagum Giselle dan balet Delibes, ia akan membuktikan kata-katanya dengan menulis Le Lac des Cygnes (1877), Sleeping Beauty (1889) dan The Nutcracker (1892). Dia dengan demikian membuka jalan bagi Glazunov , Prokofiev , Stravinsky , Messager , Lalo dan komposer lain yang akan berkontribusi untuk memberikan surat-surat bangsawannya pada musik balet.

Desain dan skenografi

Tutu romantis

Kostum untuk balerina Romantis adalah tutu romantis . Ini adalah rok penuh, putih, berlapis-lapis yang terbuat dari [[ tulle ]]. Balerina mengenakan korset putih dengan tutu. Dalam babak kedua balet Romantis, mewakili alam spiritual, korps de balet muncul di panggung dalam tutus Romantis, sehingga menimbulkan istilah “tindakan putih” atau balet-blanc . Para penari memakai sepatu pointe untuk memberikan efek melayang. Namun, terkadang mereka memutuskan untuk melakukan gerakan ekstra tajam dan lancang untuk menggambarkan konsep atau niat yang diberikan, sering kali menggunakan tendangan tinggi dan putaran cepat.

Efek khusus

Balet romantis berutang banyak pada perkembangan baru dalam efek teater, terutama pencahayaan gas. Lilin sebelumnya digunakan untuk menyalakan teater, tetapi pencahayaan gas memungkinkan efek peredupan dan kehalusan lainnya. Dikombinasikan dengan efek tutu Romantis, balerina berpose en pointe , dan penggunaan kabel untuk membuat penari “terbang”, sutradara menggunakan pencahayaan gas untuk menciptakan tontonan supernatural di atas panggung.

Balet adalah salah satu jenis tarian . Hal ini hanya dilakukan oleh penari yang telah memiliki pelatihan khusus . Para penari dipekerjakan oleh perusahaan tari, dan mereka tampil di teater . Referensi pertama tentang balet ditemukan dalam karya Domenico da Piacenza , yang hidup pada awal abad ke-14 .

Balet melibatkan penciptaan tarian itu sendiri, seringkali merupakan jenis cerita imajiner. Cerita ini diceritakan dengan bantuan tarian dan pantomim . Balet adalah salah satu bentuk ekspresi. Ini menyajikan cerita dalam bentuk baru kepada penonton. Penciptaan tari disebut koreografi . Koreografi dipelajari oleh para penari di bawah pengawasan seorang pelatih, yang disebut master balet atau nyonya. Balet selalu dipentaskan dengan musik , dan dalam banyak kasus musik itu dibuat khusus untuk balet tertentu. Balet adalah bagian utama dari teater, dan contoh yang populer adalah The Nutcracker .

Sejarah

Balet tumbuh dari kacamata Renaisans yang, seperti acara musik pop besar hari ini, menggunakan setiap jenis seni pertunjukan. Balet Italia ini dikembangkan lebih lanjut di Prancis . Le Ballet Comique de la Reine (Komedi Balet Ratu) dipentaskan di Paris pada tahun 1581. Dipentaskan oleh Balthazar de Beaujoyeux, seorang pemain biola dan master menari di istana Catherine de Medici . Itu ditarikan oleh para amatir di aula. Keluarga kerajaan sedang menonton di satu ujung dan yang lain di galeri di tiga sisi. Puisi dan lagu datang dengan tarian.

Dasar balet klasik dibentuk di Pengadilan Louis XIV di Prancis , pada abad ke-17. p40 Bahkan gelarnya (‘Raja Matahari’) berasal dari peran dia menari dalam balet. Louis mendirikan perusahaan balet pertama, Ballet de l’Opera de Paris. Banyak balet yang disajikan di istananya diciptakan oleh komposer Jean-Baptiste Lully dan koreografer Pierre Beauchamp . Juga selama waktu ini, penulis drama Molière menemukan balet komedi. Pada awal abad ke-19 teknik balet dikodifikasikan (diurutkan dan ditulis) oleh Carlo Blasis (1797–1878) dari Napoli . Kelas dansanya, yang berdurasi empat jam, terkenal sebagai latihan terberat yang pernah ada saat itu. ‘Balet romantis’ berkembang di Prancis pada paruh pertama abad ke-19.

Balet dengan gaya yang lebih atletis dikembangkan di Kekaisaran Rusia pada akhir abad ke-19. Perusahaan ini tampil di Teater Mariinsky di St. Petersburg . Tiga balet Tchaikovsky yang terkenal , Swan Lake , The Sleeping Beauty , dan The Nutcracker , berasal dari waktu itu. Tahap selanjutnya adalah balet Diaghilev. Diageilev adalah seorang impresario (pemain sandiwara) yang hebat. Pada tahun 1909 ia mendirikan Les Ballets Russes de Sergei Diaghilev , yang dianggap oleh banyak orang sebagai perusahaan balet terbesar sepanjang masa.

” Keberhasilannya amat luar biasa, baletnya amat revolusioner, serta senimannya sedemikian itu menggetarkan alhasil penampilannya di Paris saat sebelum Perang Bumi Awal mengakibatkan dentuman balet global”. Penarinya termasuk Nijinsky yang legendaris dan balerina prima Imperial Karsavina ; juga Pavlova , Danilova dan Spessivtseva. Koreografernya termasuk Fokine , Massine dan Balanchine ; komposernya termasuk Stravinsky , Prokofiev , Ravel dan Debussy ; desainer setnya termasuk Picasso , Cezanne , Matisse , Utrillo , Bakst dan Braque ; dan balet yang diciptakan mengubah jalannya sejarah balet.

Kemudian pada abad ke-20, perusahaan balet permanen didirikan di negara-negara berbahasa Inggris. The Royal Ballet di London dimulai, dan di New York sebuah perusahaan bernama Ballet Russe de Monte Carlo didirikan (1938-1962).

Teknik

Teknik adalah kemampuan fisik untuk melakukan langkah apa pun yang mungkin diperlukan oleh sebuah tarian. Metode khusus untuk teknik pemurnian diberi nama setelah master balet atau nyonya yang memulainya, seperti metode Vaganova setelah Agrippina Vaganova , metode Balanchine setelah George Balanchine , dan metode Cecchetti setelah Enrico Cecchetti .

Kostum

Kostum balet memainkan peran penting dalam dunia balet. Mereka seringkali merupakan satu-satunya kelangsungan hidup dari sebuah produksi, yang mewakili gambaran imajiner yang hidup dari sebuah adegan.

Renaissance dan Barok

Akar balet kembali ke zaman Renaissance di Prancis dan Italia ketika pakaian pengadilan adalah awal dari kostum balet. Kostum balet telah ada sejak awal abad ke-15. Kapas dan sutra dicampur dengan rami yang ditenun menjadi kain kasa semitransparan untuk menciptakan kostum balet yang indah.

Abad ketujuhbelas

Selama abad ketujuh belas, berbagai jenis kain dan desain digunakan untuk kostum balet agar lebih spektakuler dan menarik perhatian. Gaun pengadilan masih tetap untuk wanita selama abad ini. Sutra, satin, dan kain yang disulam dengan emas asli dan batu mulia meningkatkan tingkat dekorasi spektakuler yang terkait dengan kostum balet. Kostum wanita juga terdiri dari pakaian tebal dan rok selutut yang menyulitkan mereka untuk menciptakan banyak gerakan dan gerakan.

Abad kedelapan belas

Selama abad kedelapan belas, kostum panggung masih sangat mirip dengan pakaian pengadilan tetapi berkembang dari waktu ke waktu, sebagian besar karena penari dan master balet Prancis Jean-Georges Noverre (1727 – 1810) yang proposal untuk memodernisasi balet terkandung dalam karyanya yang revolusioner Lettres sur balet la danse et les (1760). Noverre menyatakan dalam teksnya bahwa balet harus terungkap melalui gerakan dramatis dan gerakan itu harus mengekspresikan hubungan antara karakter. Sebelum Noverre, Ballet adalah tontonan besar yang berfokus terutama pada kostum dan pemandangan yang rumit dan bukan pada ekspresi fisik dan emosional para penari.

Balet Eropa dipusatkan di Opera Paris . Selama era ini, rok diangkat beberapa inci dari tanah dibandingkan dengan periode Renaissance dan abad ketujuh belas. Seiring waktu, kostum berkembang karena lebih banyak desain dan warna digunakan pada kostum balet. Bunga, lipatan, pita, serta renda menekankan style kewanitaan yang elegan ini, sebab warna pastel halus dalam citron, peach, pink, serta pistachio memimpin susunan warna kostum pentas.

Abad kesembilan belas

Sepanjang awal era kesembilan belas, kostum badan yang cocok, kekuasaan bunga, korsase serta perhiasan dipakai sepanjang durasi ini. Cita-cita Romantisisme tercermin dalam panggung perempuan. Kostum menjadi lebih ketat saat korset mulai digunakan untuk memamerkan lekuk tubuh seorang balerina. Perhiasan dan kostum yang berbeda menjadi jauh lebih populer.

Abad ke dua puluh

Selama abad kedua puluh, kostum balet beralih kembali ke pengaruh balet Rusia. Rok balerina menjadi tutus selutut kemudian untuk memamerkan karya pointe dan terutama teknik penari balet. Selama era ini, kostum berfokus pada pentingnya pekerjaan penari balet dan latihan tari. Warna yang digunakan pada kostum panggung juga menjadi lebih hidup. Pendesain memakai motif semacam merah, oranye, kuning, dan lain- lain buat menghasilkan mimik muka visual kala penari balet tampak di atas pentas.

Memahami Sejarah dan Jenis-jenis Ballet

Memahami Sejarah dan Jenis-jenis Ballet – Balet—berakar dari kata Italia “ ballare ” yang berarti “menari”—adalah gaya tarian yang elegan namun sangat menguras fisik. Tari balet adalah bentuk seni tradisional yang berasal lebih dari 500 tahun yang lalu di Italia. Meskipun penari balet dilatih untuk tampil lembut dan anggun dalam gerakan mereka, teknik balet membutuhkan kekuatan, keseimbangan, keterampilan teknis, dan fleksibilitas yang luar biasa . Gerakan tari seperti arabesques, pliés, dan pirouettes adalah bagian dari kosakata gerakan dasar balet. Secara tradisional, penari balet wanita tampil en pointe—artinya di ujung jari kaki mereka. Beberapa balet yang paling terkenal termasuk Swan Lake , The Nutcracker , dan Romeo and Juliet .

Memahami Sejarah dan Jenis-jenis Ballet

Sejarah Singkat Balet

koltunballetacademy – Balet pertama kali dipentaskan dan dipraktikkan oleh kaum bangsawan di ruang-ruang terbatas, dan sekarang menjadi salah satu bentuk seni pertunjukan yang paling terkenal dan diajarkan secara luas. Berikut adalah sejarah singkat balet:

Baca Juga : Mengenal Balet di Lingkungan Budaya 

Asal-usul di Renaisans Italia : Balet awalnya diajarkan kepada bangsawan dan wanita Italia pada acara perayaan yang mewah di abad kelima belas. Setelah wanita bangsawan Italia Catherine de Medici menikah dengan Raja Henry II dari Prancis, dia mendanai balet untuk Pengadilan Prancis, yang akhirnya mendirikan program balet.

Prancis abad ketujuh belas : Raja Louis XIV mendirikan sekolah balet Académie Royale de Danse (Akademi Tari Kerajaan) pada tahun 1661, yang membantu mempopulerkan bentuk seni. Pada 1672, Louis XIV menunjuk Jean-Baptiste Lully sebagai direktur Opera Paris, yang mengarah pada pendirian Paris Opera Ballet, di mana koreografer Prancis Pierre Beauchamp menjadi master balet. Pada 1681, untuk pertaama kalinya balerina naik ke panggung.

Abad kesembilan belas di Eropa : Pertengahan abad kesembilan belas melihat penurunan popularitas balet di Perancis, tetapi akan segera menyebar ke daerah lain di Eropa seperti Rusia dan Denmark. Seiring berkembangnya balet, gayanya mengkristal menjadi tarian yang lebih romantis, menekankan keanggunan balerina dengan gerakan lembut dan cair. Balet naratif terkenal seperti The Nutcracker dan Swan Lake ditayangkan perdana di teater Rusia, menampilkan balerina dalam rok tulle—dikenal sebagai tutus—yang akan menari en pointe, dengan sepatu runcing di ujung jari kaki mereka.

Abad ke-20 : Balet menjadi bentuk tarian arus utama pada abad ke-20. Perusahaan tari seperti Royal Ballet di Inggris dan American Ballet Theatre di New York dibuka pada saat ini, yang membantu menyebarkan penonton dari bentuk seni dan membuatnya lebih mudah diakses oleh massa. Banyak sekolah dan perusahaan melatih kaum muda dari semua latar belakang menjadi beberapa penari profesional paling berprestasi di dunia.

4 Jenis Balet

Ada empat gaya tari balet berbeda yang telah membentuk lintasan dan evolusi bentuk seni:

1. Balet Romantis : Dimulai pada abad kesembilan belas, balet Romantis sangat dipengaruhi oleh era Romantis dan di sinilah beberapa dari banyak aspek balet yang dapat dikenali muncul, seperti karya pointe dan tutus. Balet romantis menekankan emosi, lirik, dan drama dalam narasinya, dan menyebabkan peningkatan penari utama wanita—sedangkan sebelumnya, penari pria mendominasi adegan tersebut.

2. Balet klasik : Balet klasik adalah bentuk balet tradisional, biasanya diiringi oleh orkestra lengkap dan terdiri dari narasi yang digerakkan oleh cerita yang sering dibawakan oleh balerina wanita. Gerakan balet klasik sering menekankan pada bobot dan garis ekstensi balerina, dengan fokus pada fluiditas dan rotasi kaki ke luar. Set dibangun untuk melengkapi narasi pertunjukan, dan para penari mengenakan kostum yang rumit.

3. Balet kontemporer : Bentuk tari kontemporer ini memasukkan unsur-unsur balet klasik tertentu, termasuk unsur akting dan beberapa teknik pointe, tetapi dianggap kurang ketat dalam pelaksanaannya. Teknik tari balet kontemporer memungkinkan gerakan tubuh bagian atas yang lebih luas daripada balet klasik, dan juga dapat dilakukan tanpa alas kaki.

4. Balet neoklasik : Muncul pada tahun 1920-an, balet neoklasik kurang terstruktur dan lebih abstrak daripada bentuk balet lainnya. Balet neoklasik dibentuk sebagai respons terhadap elemen balet romantis yang lazim dan dramatis, dan tidak menggunakan elemen balet tradisional seperti kostum, set, atau narasi yang terlibat.

5 Balet Terkenal

Ada sejumlah balet terkenal selama bertahun-tahun yang meminjamkan diri mereka ke pertunjukan legendaris. Beberapa balet populer meliputi:

1. Swan Lake : Swan Lake adalah salah satu balet klasik paling terkenal sepanjang masa, dan menampilkan musik oleh Tchaikovsky. Ini telah dilakukan oleh banyak perusahaan balet di seluruh dunia, meskipun produksi pertama di Teater Bolshoi di Moskow, Rusia pada tahun 1877 dianggap gagal. Balet bercerita tentang seorang pangeran yang pergi berburu pada suatu malam dan menemukan seekor angsa yang berubah menjadi wanita muda yang cantik.

2. The Nutcracker : Balet klasik dengan skor Tchaikovsky ini memulai debutnya pada tahun 1892 di teater Mariinsky di St. Petersburg, Rusia. Ditetapkan pada Malam Natal, The Nutcracker mengikuti seorang gadis muda yang menyusut seukuran tikus dan terlibat dalam pertempuran antara pemecah kacang mainannya dan pasukan tikus. Balet aslinya dikoreografikan oleh Marius Petipa dan Lev Ivanov, tetapi koreografer Amerika dan pendiri New York City Ballet George Balanchine membuat versinya sendiri pada tahun 1954, membawa balet ke dalam kesadaran Amerika. Sejak itu, The Nutcracker telah dipentaskan di New York setiap tahun.

3. The Sleeping Beauty : Pertama kali dipentaskan pada tahun 1890 di Mariinsky Theatre di St. Petersburg, The Sleeping Beauty didasarkan pada kisah Charles Perreault tentang seorang putri terkutuk yang jatuh tertidur tanpa henti setelah jarinya tertusuk pada ulang tahunnya yang keenam belas. Balet romantis ini juga menampilkan musik Tchaikovsky.

4. Don Quixote : Don Quixote ditayangkan perdana pada tahun 1869 di Teater Bolshoi di Moskow, dengan musik yang digubah oleh Ludwig Minkus. Berdasarkan novel terkenal Don Quixote de la Mancha oleh Miguel de Cervantes, balet ini menampilkan episode-episode tertentu dari buku dan mengubah narasi menjadi komedi romantis yang performatif dan fantastik.

5. Romeo and Juliet : Romeo and Juliet pertama kali memulai debutnya di Teater Mahen di Cekoslowakia pada tahun 1938, dengan koreografi awal oleh Ivo Váña-Psota. Balet ini menceritakan romansa Shakespeare yang terkenal tragis dari dua kekasih muda yang bernasib sial dari keluarga saingan. Romeo and Juliet adalah salah satu pertunjukan paling koreografi dalam setengah abad terakhir, kedua setelah The Nutcracker .

Dapatkan apresiasi yang lebih dalam untuk bentuk seni ini dengan mempelajari lebih lanjut tentang gerakan balet, posisi, pose, dan banyak lagi dengan glosarium terminologi tari yang bermanfaat ini dari Atlanta Ballet. Ini bukan daftar lengkap, tetapi titik awal untuk membantu Anda membiasakan diri dengan bahasa yang digunakan untuk menggambarkan balet.

Gerakan balet

  • Assemblé ( assam blay ) – Mengangkat lantai dengan satu kaki, dan mendarat dengan dua kaki. Kaki berkumpul pada saat yang sama dan kembali ke posisi kelima.
  • Grande Jeté ( grand jeh tay ) – lompatan besar dari satu kaki ke kaki lainnya di mana kaki yang bekerja disikat ke udara dan tampaknya telah dilempar.
  • Plié ( plee ay ) – berarti membungkuk, menekuk – lutut atau lutut.
  • Pirouette ( rekan atau basah ) – rotasi atau putaran – putaran penuh tubuh dengan satu kaki, pada titik atau setengah titik (setengah titik).
  • Tour en l’air ( tour on lair ) – giliran di udara – biasanya langkah penari laki-laki, meskipun balerina dapat melakukannya tergantung pada koreografi.

Ketentuan Posisi Balet

  • Arabesque ( Ah rah besk ) – posisi satu kaki dengan kaki lainnya diangkat ke belakang tubuh dan diluruskan dalam garis lurus.
  • Sikap ( ah tea tude ) – Sebuah variasi pada arabesque. Kaki yang diperpanjang diangkat ke belakang tubuh tetapi ditekuk di lutut pada sudut 90 derajat.
  • Croisé ( quo say ) – Seorang penari berdiri dengan kaki disilangkan pada sudut ke arah penonton. Kaki yang terlepas dapat disilangkan di depan atau di belakang.
  • Turn-out – Penari memutar kaki dan kakinya keluar dari sendi pinggul ke posisi 90 derajat.

Orang-orang Balet

  1. Balerina – penari wanita di perusahaan balet.
  2. Danseur – penari pria di perusahaan balet.
  3. Koreografer – orang yang membuat atau menciptakan balet atau tarian.
  4. Master Balet atau Nyonya Balet – seseorang di perusahaan balet yang tugasnya memberikan kelas perusahaan harian dan melatih balet di repertoar perusahaan.
  5. Balletomane ( bal lay toe mane ) – Penggemar atau penggila balet.

Ketentuan Balet Tambahan

  • Koreografi – menggambarkan langkah-langkah, kombinasi, dan pola balet atau tarian.
  • Pointe Shoes – Sepatu balet satin yang digunakan oleh para penari saat menari menggunakan pointes (jari kaki). Sepatu pointe diperkuat dengan kotak yang terbuat dari banyak lapisan lem kuat di antara lapisan bahan. Sepatu pointe tidak terbuat dari semen atau kayu.
  • Tutu – rok balet klasik pendek yang terbuat dari banyak lapisan jaring. Tutu romantis adalah rok jaring panjang yang mencapai di bawah betis.
  • Barre – bar horizontal (biasanya terbuat dari kayu) di sepanjang dinding studio untuk latihan kelas. Setiap kelas balet dimulai dengan latihan barre.
  • Latihan Pusat – sekelompok latihan yang serupa dengan latihan di barre tetapi dilakukan di tengah ruangan. Latihan-latihan ini dilakukan tanpa dukungan dari barre dan biasanya dilakukan dengan kaki alternatif.
  • Pas de Deux – tarian untuk dua orang.
  • Adagio ( u da zhe-o ) – adalah suksesi gerakan lambat, lembut, liris, dan terus menerus. Adagio menciptakan ilusi bahwa posisi mengalir dari satu ke yang lain.
  • Allegro ( kaki tumbuh ) – allegro dalam balet melibatkan gerakan cepat dan dinamis, biasanya melompat langkah dan urutan.

Mengenal Balet di Lingkungan Budaya

Mengenal Balet di Lingkungan Budaya – Balet bertahan sebab tidak melupakan pendapatan sejarahnya sendiri tetapi senantiasa sukses membagikan bawah buat mempelajari permasalahan lokal ataupun regional khusus dengan metode yang diperoleh serta dimengerti dengan cara global. Ini energik ikatan antara era kemudian serta era saat ini diilustrasikan oleh banyak yayasan balet muda di banyak negeri: The Australian Ballet membagikan performa pertamanya pada tahun 1962, serta sudah menaklukkan buatan klasik serta mapan dengan repertoar kontemporer yang mengaitkan seniman Australia serta global populer. Koreograf Australia Graeme Murphy berkomitmen buat bertugas dengan bedaya serta musisi Australia, menjelajahi tema- tema istimewa Australia, serta bertugas buat serta dengan pemirsa Australia.

Mengenal Balet di Lingkungan Budaya

koltunballetacademy – Semacam industri balet Kanada yang lain, National Ballet of Canada( dibuat tahun 1951) dengan hati- hati menjaga adat- istiadat klasik serta pula mensupport karya- karya kontemporer koreograf Kanada yang mengangkut isu- isu Kanada. Kampanye“ You dance” industri memberitahukan balet klasik serta modern pada anak didik sekolah menengah Kanada. NSBallet Nacional de Cuba dibuat pada tahun 1948 oleh balerina Kuba Alicia Alonso, yang pula memimpin Sekolah Nasional Balet Alicia Alonso( dibuat 1950). Ini membagikan bentuk yang bagus mengenai gimana adat- istiadat Eropa Barat didapat serta ditafsirkan kembali supaya cocok dengan keinginan nasional serta lokal. Pada dini era ke- 21, style serta metode tari balet Kuba yang kokoh serta khas sudah bertumbuh. Di Kuba semacam di tempat lain, kombinasi yang teliti antara buatan klasik yang ditinjau kembali serta buatan kontemporer yang kerap kali melibatkan warna lokal sudah membuat balet menjadi sukses.

Baca Juga : Perbedaan Antara Ballet Contemporary dan Tari Contemporary

Selama abad ke-20 balet menjadi sangat sadar akan warisannya. Perusahaan meninjau kembali bentuk tarian bersejarah dan praktik balet (kebangkitan kembali tarian Barok sejak 1980-an adalah salah satu contohnya). Seniman menyusun kembali balet Romantis yang sangat dicintai seperti Giselle , The Nutcracker , dan Swan Lake . Banyak penari-koreografer kontemporer, termasuk Mats Ek (Swedia) dan Matthew Bourne (Inggris), menafsirkan ulang dan menyegarkan balet terkenal. Balet adalah bentuk seni yang tangguh dan berkembang, tetapi keberadaannya lebih lanjut tergantung pada cara masyarakat industri modern mengembangkan dan memelihara institusi artistik mereka yang kompleks.

Membiayai serta mensubsidi penciptaan balet lewat sarana publik ataupun swasta jadi terus menjadi kompleks. Pemikiran publik mengenai balet mempunyai dampak yang besar dalam mengamankan, ataupun mematikan, fondasi keuangannya. Kerap dikritik sebagai” elitis” serta tidak berarti, balet dengan gampang dihilangkan dari catatan pendanaan serta diganti jadi kambing hitam adat oleh mereka yang melawan nilai seni pementasan.

Harga tiket buat pementasan balet handal dapat besar, serta para pencela memakai kenyataan itu selaku fakta kalau seni itu berguna untuk mereka yang mempunyai duit. Namun pertunjukan yang baik membutuhkan sekelompok penari yang terlatih secara ekstensif dan peralatan pendukung yang besar. Meskipun demikian, harga tiket yang tinggi sering membatasi aksesibilitas bentuk seni ke penonton yang kurang beruntung secara ekonomi, banyak di antaranya mengidentifikasi sebagai ras minoritas. Ketidaksetaraan yang sama dapat mematahkan semangat anak-anak dari beragamlatar belakang dari belajar balet. Sementara beberapa program pemuda di abad ke-21 berusaha merekrut lebih banyak siswa kulit berwarna, selama beberapa dekade pelajaran balet seringkali terbatas pada anak-anak kelas menengah dan atas yang didominasi kulit putih. Memanglah, balet merupakan salah satu metode anak pria serta wanita kategori menengah di banyak bagian bumi pabrik menekuni sikap kategori serta tekad adat yang cocok. Mereka berpartisipasi dalam pertunjukan amatir, menari mengikuti musik rekamandan sering dengan kostum buatan sendiri. Anak-anak diharapkan untuk belajar sopan santun, keanggunan, pembawaan tubuh yang tepat, dan peran gender yang sesuai.

Dengan sedikit pengecualian, mereka tidak diharapkan menjadi penari profesional. Tarian balet merupakan salah satu pekerjaan terpendek, sangat tidak bisa diharapkan, sangat menuntut, serta sangat rawan musibah. Pelajaran balet untuk anak laki-laki dan perempuan kelas menengah dengan demikian memenuhi impian bukan ketenaran dan kekayaan tetapi stabilitas dan keamanan yang tidak ditemukan dalam balet itu sendiri. Tarian balet sebagai aktivitas kelas menengah di Amerika Serikat dan Kanada telah memupuk tradisi yang khas: Tchaikovsky’s Nutcracker (1892) telah menjadi acara tahunan yang populer di banyak kota kecil dan komunitas . Pementasan balet diprakarsai olehsekolah tari lokaltetapi menjangkau jauh melampaui tarian dan perayaan Natal; bekerja pada produksi dimulai pada akhir musim panas dan dapat menggabungkan kontribusi dari berbagai bagian masyarakat . Balet telah diadaptasi untuk mencerminkan geografi dan tradisi tertentu, dan telah cukup fleksibel untuk menggabungkan aliran budaya yang sangat bervariasi. Adainterpretasi jazz , adaptasi Hindu , kisah pengasingan politik, Perang Dinginmemoar, dan pertunjukan seluncur es, semuanya dengan kedok narasi Nutcracker asli .

Keakraban kelas menengah membantu mempertahankan penonton untuk balet profesional, dengan beberapa batasan. Balet tradisional era ke- 19 menarik banyak pemirsa, sebaliknya karya baru serta pementasan tari kontemporer tidak sering menarik atensi warga besar. Secara bertahap, karya-karya koreografer seperti Balanchine dan Robbins telah digabungkan ke dalam repertoar yang diterima , seperti yang ditunjukkan oleh program Royal Ballet, Mariinsky Ballet , Paris Opera Ballet , Australian Ballet , dan lainnya. Meskipun demikian, perusahaan kota besar di seluruh dunia harus dengan hati-hati menyeimbangkan yang baru dengan yang lama, yang tidak dikenal dan berisiko dengan yang sudah usang dan mapan.

Dua strategi telah dikembangkan ketika perusahaan berusaha untuk menyeimbangkan kewajiban mereka terhadap seni yang hidup dengan kebutuhan mereka akan audiens. Dalam satu model, perusahaan menyajikan tagihan dengan dua atau tiga karya, biasanya memasang bagian baru di antara karya yang sudah terbukti. Tagihan ini legal buat masa terbatas, umumnya sebagian pekan sampai satu ataupun 2 bulan. Dalam pendekatan yang berbeda, perusahaan menampilkan koreografi baru dari karya tradisional yang menyenangkan penonton—seperti Giselle , The Nutcracker , The Sleeping Beauty , dan Swan Lake .

Model demikian beroperasi dalam beberapa kerangka waktu. Model jangka pendek memperkenalkan karya-karya baru yang mungkin di masa depan membuktikan nilai jangka panjangnya, dan model jangka panjang berlanjut dalam tradisi yang ditetapkan pada abad ke-19. Koreografer harus menerima dinamika ini . Misalnya, koreografer RusiaAlexei Ratmansky ditugaskan oleh Balet Kota New York untuk menciptakan sebuah karya berjudul Russian Season (2006). Pada saat yang sama dia bekerja dengan Bolshoi Ballet pada adaptasi dari The Bright Stream karya Shostakovich ; kemudian ia beralih ke penciptaan kembali balet era Soviet The Flames of Paris (awalnya diproduksi pada tahun 1932), sebuah perayaan Revolusi Prancis tahun 1789.

Para seniman

Semua lembaga balet, baik yang didanai publik atau swasta, naik turun dengan bakat koreografer dan penari. Para seniman ini berada di mata publik: mereka merupakan balet, daya penganjur wujud seni. Angan- angan, keaslian, daya cipta, kedatangan, serta keahlian mereka buat menerjemahkan ke dalam sensibilitas aksi memastikan metode balet bertumbuh. Lewat koreograf serta bedaya, metode balet lalu dibesarkan serta dicoba; bersama- sama mereka membuat balet jadi buatan seni kontemporer.

Penari

Bersama dengan repertoar, aspek lain dari balet abad ke-19 telah bertahan: sistem bintang dan hierarki ketat dari banyak perusahaan balet, yang membedakan antara bintang, solois, dan korps balet. Penonton mengagumi—bahkan memuja—para penari terkemuka dan koreografer ternama di perusahaan ternama. Meskipun ketenaran penari menghilang dengan cepat, bintang-bintang tertentu diingat selama bertahun-tahun oleh mereka yang melihatnya; ini termasuk orang Rusia Galina Ulanova , Maya Plisetskaya , dan Natalia Dudinskaya; Alicia Alonso dari Kuba ; Erik Bruhn dari Denmark ; dan Maria Tallchief Amerika . Balerina Inggris yang terkenal Alicia Markova, yang menari di Ballet Russes , berperan penting dalam membentuk Festival Ballet (sekarang English National Ballet ). Balerina Irlandia yang tak terlupakan, Ninette de Valois, mendirikan perusahaan yang kemudian diberi nama Royal Ballet dan menjabat sebagai direkturnya sampai dia pensiun pada tahun 1963.

Pada tahun 1960-an terjadi pembelotan spektakuler dari Timur ke Barat, di era ketika negara-negara komunis memegang erat warganya. Yang sangat berarti merupakan pembelotan Rusia Rudolf Nureyev ke Inggris. Dia dianggap sebagai salah satu penari paling luar biasa di abad ke-20. Dengan penari Inggris Margot Fonteyn ia membentuk kemitraan yang mendefinisikan kembali tarian wanita-pria dalam karya-karya klasik.

Pada 1970-an Natalia Makarova , seorang penari dengan Balet Kirov (sekarang Mariinsky), membelot dari Uni Soviet dan kemudian tampil terutama dengan Teater Balet Amerika . Tak lama setelah Makarova membelot,Mikhail Baryshnikov meninggalkan Kirov selama tur Kanada. Dia segera dibandingkan dengan Vaslav Nijinsky dan Nureyev, dan dia membuat dampak besar sebagai penari serta manajer tari di Amerika Serikat. Ia menjadi direktur artistik (1980–89) dari American Ballet Theatre, tetapi minat utamanya adalah perpaduan balet dengan tari modern . Pada tahun 2005 yayasan yang ia dirikan membuka Pusat Seni Baryshnikov di New York City untuk mendukung dan mendorong koreografer, komposer, dan seniman lainnya.

Pada abad ke-21, seperti pada setiap tahap evolusi balet, ada penampil yang luar biasa—misalnya, Sylvie Guillem , Nina Ananiashvili, Carlos Acosta, dan Misty Copeland —yang memukau penonton. Mereka adalah perwakilan yang paling terlihat dari sejumlah besar orang yang berdedikasi pada seni balet yang hebat. Mereka adalah pengingat bahwa bentuk seni ini telah memantapkan dirinya di banyak tempat di seluruh dunia—di Sydney dan Shanghai, Toronto dan Taiwan, New York dan Novosibirsk. Di mana-mana, balet memiliki persyaratan dan standar yang sama, dan di perusahaan-perusahaan terkemuka internasional, seni ini terus-menerus diperluas dan diuji.

Cita-cita keindahan seni Eurosentris sering diuji sepanjang abad ke-20 dengan kemajuan penari warna. Mulai tahun 1940-an, Tallchief, yang merupakan penari keturunan Osage India dan Skotlandia-Irlandia, menampilkan peran bintang dengan Balet Kota New York karya Balanchine. Dia adalah penduduk asli Amerika pertama yang menjadi balerina prima yang terkenal di dunia. Pada tahun 1957 Balanchine menciptakan Agon , balet hitam-putih yang diatur ke skor asli oleh Stravinsky. Pas de deux karya ini adalah studi tentang kontras, baik kulit maupun nada musik. Untuk duet ikonik , Balanchine memilih Diana Adams dan Arthur Mitchell —seorang wanita kulit putih dan pria kulit hitam. Mitchell kemudian dipromosikan menjadi penari utama, yang pertamaAfrika Amerika begitu dengan rombongan balet besar (1962). Dia kemudian mendirikan Dance Theatre of Harlem (1967), sebuah sekolah dan perusahaan terpadu yang menawarkan lebih banyak kesempatan kepada orang kulit berwarna.

Namun sepanjang abad ke-20 dan ke-21, banyak perusahaan dan sekolah terus mendukung nilai-nilai estetika retrograde yang menempatkan penari kulit berwarna pada posisi yang kurang menguntungkan dalam bidang perekrutan, casting, dan promosi. Koreografi klasik sering mengandalkan anggota perempuan dari korps de balet, sekelompok besar perempuan yang tidak hanya bergerak sebagai satu tubuh tetapi juga berbagi tipe tubuh yang sama. Memang, di awal karir mereka, banyak penari, termasuk Janet Collins , Raven Wilkinson, dan Copeland, didorong untuk menyamarkan warna kulit mereka dengan riasan putih. Preferensi untuk korps de balet homogen mengistimewakan cita-cita Eurosentris sebelum keragaman ras .

Perbedaan Antara Ballet Contemporary dan Tari Contemporary

Perbedaan Antara Ballet Contemporary dan Tari Contemporary  – Balet kontemporer merupakan sebuah genre tari yang menggabungkan unsur balet klasik serta juga tarian modern . Ini menggunakan teknik balet klasik serta dalam beberapa kasus teknik pointe klasik juga, tetapi memungkinkan rentang gerakan yang lebih besar dari tubuh bagian atas dan tidak dibatasi oleh garis tubuh yang ditentukan secara ketat dan bentuk yang ditemukan dalam balet klasik tradisional. Banyak atributnya berawal dari ide serta inovasi tari modern era ke- 20, tercantum pengerjaan lantai serta aksi memutar kaki. Gaya juga mengandung banyak gerakan yang menekankan kelenturan tubuh.

Perbedaan Antara Ballet Contemporary dan Tari Contemporary

Sejarah

koltunballetacademy – George Balanchine kerap kali dianggap sebagai pelopor balet kontemporer. Namun, asal usul balet kontemporer yang sebenarnya dikreditkan ke produser seni Rusia Serge Diaghilev . Diaghilev ingin memberikan pemahaman tentang beberapa seni kepada masyarakat. Ia bahkan membuat program yang mengkombinasikan seluruh bentuk seni (lukisan, musik, teater, dan seni rupa) untuk ditampilkan kepada publik. Ketika program ini sukses di Rusia, Diaghilev terinspirasi untuk membawanya ke audiens Eropa dengan menciptakan putaran baru pada balet klasik. Dia menciptakan Perusahaan Balet Rusia Diaghilev, memulai pertunjukan pertamanya pada tahun 1909. Tetapi, Diaghilev tidaklah seseorang koreograf, ia percayakan pengembangan ciptaannya pada beberapa koreograf yang terkenal, salah satunya ialah George Balanchine.

Baca Juga : Perkembangan Balet Rusia di Era Soviet

Gaya tari Balanchine dibesarkan, yang terdapat di antara balet klasik serta balet kontemporer dikala ini, diketahui dengan standar dikala ini legal semacam balet neoklasik. Dia menggunakan tangan tertekuk (dan kadang-kadang kaki), kaki terbalik, posisi tidak terpusat dan kostum non-tradisional, seperti baju ketat, tunik dan tutus “powder puff” alih-alih tutus “pancake”, untuk menjauhkan pekerjaannya dari tradisi balet klasik dan romantis. Balanchine mengundang penari modern seperti Paul Taylor untuk menari dengan perusahaannya, New York City Ballet , dan dia bekerja dengan koreografer tari modern Martha Graham , yang memperluas paparannya pada teknik dan ide modern.Selama periode ini, koreografer lain seperti John Butler dan Glen Tetley mulai secara sadar menggabungkan teknik balet dan modern dalam eksperimen.

Salah satu penari yang belajar dengan Balanchine serta meresap banyak style neoklasik ini merupakan Mikhail Baryshnikov. Sehabis penunjukan Baryshnikov selaku ketua berseni American Ballet Theatre pada tahun 1980, beliau bertugas dengan bermacam koreograf modern, paling utama Twyla Tharp. Koreografi Tharp Push Comes To Shove untuk ABT dan Baryshnikov pada tahun 1976; pada tahun 1986 ia menciptakan In The Upper Room untuk perusahaannya sendiri. Kedua karya ini dikira inovatif sebab pemakaian aksi modern yang khas dipadukan dengan pemakaian sepatu pointe serta penari berpengalaman dengan cara klasik—untuk pemakaian balet kontemporer.

Tharp juga bekerja dengan The Joffrey Ballet , didirikan oleh Robert Joffrey pada tahun 1957. Ia membuat koreografi Deuce Coupe buat mereka pada tahun 1973, memakai nada pop serta kombinasi metode modern serta balet. Balet Joffrey kemudian membuktikan sebagian buatan kontemporer, banyak yang dikoreografikan oleh salah satu penggagas Gerald Arpino. Salah satu koreografer kontemporer terkenal lainnya adalah Jorma Elo, Mark Morris , William Forsythe, Alonzo King ,Trey McIntyre dan Jiri Kylian .

Teknik

Balet kontemporer menarik dari gaya tari modern serta balet klasik buat tata cara serta metode pelatihannya. Bagi seorang penari untuk dapat mewujudkan berbagai gaya, rejimen pelatihan menjadi lebih beragam. Tidak hanya metode klasik, yang kerap kali melibatkan kecekatan serta style khas George Balanchine buat bedaya Amerika, bedaya pula berlatih modern. Tidak hanya itu, banyak penari melaksanakan bermacam wujud bimbingan silang. Pilates dan yoga sering disertakan untuk mengendurkan otot dan menyelaraskan tubuh. Semenjak akhir 1920- an, Pilates sudah jadi wujud penataran pembibitan silang yang terkenal buat menolong menghindari luka, namun terus menjadi bertambah, GyrotonicSistem Perluasan lagi dipakai.

Dengan buatan kontemporer, duri penari wajib lebih elastis serta mereka butuh menguasai gimana mendarat. Hal ini berbeda dengan balet klasik dan neoklasik dimana penarinya diharuskan “menarik” dan menahan tubuh bagian atas. Penari diharuskan untuk terlebih dahulu mendapatkan pelatihan balet klasik untuk membangunnya dengan teknik yang lebih modern agar lebih fleksibel. Meskipun pelatihan formal, penari sering terkena cedera pergelangan kaki, karena gerak kaki intensitas tinggi.

Kostum

Kostum serta alas kaki pula berlainan dari style gaya tari yang lain. Dalam balet kontemporer, bedaya dapat dimohon mengenakan sepatu pointe, sepatu balet lazim, ataupun apalagi tidak mengenakan sepatu serupa sekali. Pendekatan serbaguna yang sama berlaku untuk musik, pengaturan, dan kostum. Balet kontemporer tidak memerlukan standar tertentu yang harus dipenuhi. Walaupun mempunyai prinsip lebih dari tari modern, itu tidak cocok dengan batas balet klasik. Balet klasik menginginkan tutus, sepatu pointe, serta panorama alam. Balet kontemporer menggunakan berbagai jenis kostum, mulai dari versi jenis tunik tradisional hingga yang lebih modern. Pilihan musik juga dapat bervariasi. Dalam balet klasik, koreografi sangat kerap dicoba buat nada klasik.

Saat ini terdapat banyak industri balet serta koreograf kontemporer di semua bumi. Perusahaan terkenal termasuk Nederlands Dans Theater , Hubbard Street Dance Chicago , Complexions Contemporary Ballet , dan Alonzo King LINES Ballet . Begitu pula, banyak industri” klasik” konvensional pula dengan cara tertib melaksanakan buatan kontemporer. Kebanyakan penari klasik terlatih yang mungkin mengidentifikasi sebagai penari balet profesional dituntut untuk sangat fleksibel dan mampu melakukan pekerjaan mulai dari klasik hingga neoklasik hingga kontemporer hingga tari modern. Mereka dituntut untuk memiliki teknik balet yang sempurna dengan penguasaan teknik pointebagi perempuan, tetapi pada saat yang sama, diminta untuk sama nyamannya dengan sendal balet atau bertelanjang kaki menampilkan karya koreografer modern seperti Paul Taylor atau merangkul Gaga dalam karya Ohad Naharin .

Sangat umum bagi perusahaan balet untuk memiliki koreografer resmi di tempat tinggal untuk menciptakan karya baru—seringkali kontemporer—di perusahaan. Tidak hanya itu, banyak koreograf kontemporer ditugaskan buat berangkat ke industri buat membuat buatan terkini ataupun industri hendak melunasi hak buat melaksanakan profesi yang telah terdapat serta seseorang repetiteur sah akan datang untuk mementaskannya. Twyla Tharp, semacam yang sudah diucap sebelumnya, merupakan seseorang koreograf populer yang ciptaannya banyak dipentaskan.

Tarian kontemporer

Tari kontemporer adalah genre pertunjukan tari yang berkembang selama pertengahan abad kedua puluh dan sejak itu berkembang menjadi salah satu genre dominan bagi penari terlatih di seluruh dunia, dengan popularitas yang sangat kuat di AS dan Eropa. Meskipun awalnya diinformasikan oleh dan meminjam dari gaya klasik , modern , dan jazz , telah datang untuk memasukkan unsur-unsur dari banyak gaya tari. Karena kesamaan teknisnya, sering dianggap terkait erat dengan tari modern, balet, dan gaya tari konser klasik lainnya.

Dari segi fokus tekniknya, tari kontemporer cenderung memadukan kerja keras balet yang kuat namun terkendali dengan modern yang menekankan pada batang tubuh. Ini pula memakai pembebasan kontrak, profesi lantai, jatuh serta penyembuhan, serta karakter improvisasi tari modern. Perubahan ritme, kecepatan, dan arah yang tidak dapat diprediksi juga sering digunakan. Selain itu, tari kontemporer terkadang memasukkan unsur budaya tari non-Barat, seperti unsur dari tarian Afrika termasuk lutut tertekuk, atau gerakan dari tari kontemporer Jepang, Butoh.

Sejarah

Tarian kontemporer mengacu pada balet klasik dan tari modern, sedangkan tari postmodern merupakan tanggapan langsung dan berlawanan dengan tari modern. Merce Cunningham dianggap sebagai koreografer pertama yang “mengembangkan sikap mandiri terhadap tari modern” dan menentang ide-ide yang dibangun olehnya. Pada tahun 1944 Cunningham mendampingi tariannya dengan nada oleh John Cage, yang mencermati kalau gaya tari Cunningham” tidak lagi memercayakan bagian linier pula tidak memercayakan aksi menuju dan menjauh dari klimaks. Seperti pada lukisan abstrak , diasumsikan bahwa suatu elemen (gerakan, suara, perubahan cahaya) dengan sendirinya ekspresif; apa yang dikomunikasikan sebagian besar ditentukan oleh pengamat itu sendiri.” Cunningham membentuk Merce Cunningham Dance Company pada tahun 1953 dan kemudian menciptakan lebih dari seratus lima puluh karya untuk perusahaan tersebut, banyak di antaranya telah dilakukan secara internasional oleh balet dan modern. perusahaan tari .

Ide-ide kunci Cunningham termasuk

  • Tarian kontemporer memang menolak teknik kaki balet klasik demi penekanan tari modern pada batang tubuh
  • Tari kontemporer belum tentu bentuk seni naratif
  • Koreografi yang tampak tidak teratur, namun tetap mengandalkan teknik
  • Beberapa dan tindakan simultan
  • Kebebasan kreatif
  • Kemandirian antara tari dan musik
  • Menari untuk ditarikan, bukan dianalisis
  • Pencahayaan, set, dan kostum yang inovatif bekerja sama dengan Andy Warhol , Robert Rauschenberg , dan Jasper Johns

Pelopor lain dari tari kontemporer (keturunan modern dan postmodern) termasuk Ruth St. Denis , Doris Humphrey , Mary Wigman , Pina Bausch , Francois Delsarte , mile Jaques-Dalcroze , Paul Taylor , Rudolph von Laban , Loie Fuller , José Limón dan Marie Rambert . Biasanya ada koreografer yang membuat keputusan kreatif dan memutuskan apakah karya itu abstrak atau naratif . Penari dipilih berdasarkan keterampilan dan pelatihan mereka. Koreografi didetetapkan bersumber pada hubungannya dengan nada ataupun suara yang ditarikan. Peran musik dalam tari kontemporer berbeda dengan genre lain karena dapat berfungsi sebagai latar belakang karya tersebut. Koreografer memiliki kendali atas kostum dan nilai estetisnya untuk keseluruhan komposisi pertunjukan dan juga bagaimana pengaruhnya terhadap gerakan penari.

Teknik menari

Penari kontemporer berlatih menggunakan teknik tari kontemporer serta praktik non-tari seperti Pilates , Yoga , praktik akting teknik Corporeal mime – tienne Decroux dan praktik somatik seperti teknik Alexander , Metode Feldenkrais , Teknik Sullivan dan Franklin- Metode , teknik kontemporer Amerika seperti teknik José Limón dan teknik Hawkins dan teknik tari Postmodern seperti teknik improvisasi Kontak dan Cunningham , dan teknik Rilis.

Beberapa koreografer dan pencipta tari kontemporer terkenal menciptakan sekolah dan teknik mereka sendiri. Paul Taylor mengembangkan teknik tari yang disebut teknik Taylor, yang sekarang diajarkan di sekolah tari modern seperti The Ailey School di New York City.

Mencerminkan situasi di masyarakat pada umumnya, tari kontemporer semakin memasukkan unsur-unsur teknologi yang terang-terangan, dan, khususnya, robot. Insinyur / penari robotika Amy LaViers, misalnya, telah memasukkan ponsel ke dalam karya tari kontemporer yang menarik perhatian pada isu-isu seputar ketergantungan kita yang terus meningkat pada teknologi.

Perkembangan Balet Rusia di Era Soviet

Perkembangan Balet Rusia di Era Soviet – Dari Rusia timbul desakan yang menghidupkan kembali balet di Eropa Barat. Untuk musim balet pada tahun 1909 sang impresarioSerge Diaghilev membawa ke Paris sebuah perusahaan, yang disebut Balet Russes, yang terdiri dari penari terkemuka dari Imperial Ballet. Efeknya pada dunia seni sangat hancur. Balet, yang di Eropa Barat sudah karam dalam evaluasi khalayak, jadi diakui selaku seni pentas penting, di mana tari, nada, serta konsep pentas berkontribusi pada dampak totalitas yang belum pernah terjadi sebelumnya dan mengesankan. Menari adalah kualitas tertinggi. Kehebohan terbesar dilahirkan oleh Vaslav Nijinsky, seseorang bedaya laki- laki dengan standar yang tidak nampak dalam ingatan hidup, serta balerina Anna Pavlova serta Tamara Karsavina pula membuat opini abadi.

Perkembangan Balet Rusia di Era Soviet

koltunballetacademy – Pada awal musimnya, Ballet Russes harus berkumpul kembali setiap tahun untuk mengunjungi Eropa Barat, karena penari perusahaan masih terikat kontrak di Rusia; tetapi pada tahun 1911 Diaghilev memutuskan hubungan dengan Teater Imperium, serta sehabis itu industri itu berbasis di Monte Carlo. Daya tariknya melampaui publik teater biasa untuk merangkul intelektual artistik, sehingga balet mulai kehilangan reputasi yang agak buruk yang diperolehnya pada abad ke-19. Alasan utama perubahan status ini adalah partisipasi seniman besar—artis seperti Alexandre Benois dan Leon Bakst , yang mendesain pemandangan, dan komposer terkemuka, terutama Igor Stravinsky , yang memproduksi skor musik yang ditugaskan secara khusus.

Baca Juga : Sejarah Munculnya Balet di Eropa

Di musim- musim awal industri, koreograf utamanya merupakan Michel Fokine, yang mempertunjukkan beberapa balet yang jadi klasik, paling utama Bimbingan Sylphides( 1909), The Firebird( 1910), serta Petrouchka( 1911). Akhirnya dorongan Diaghilev terhadap Nijinsky sebagai koreografer pemula memperburuk hubungannya dengan Fokine. Sebagai koreografer, Nijinsky membuktikan dirinya sebagai ikonoklas , mencari bentuk gerakan nonklasik. Walaupun hasil koreografinya terbatas, itu tercantum 2 balet yang menggapai kemasyhuran sebab kesimpulan intim mereka: LAprès- midi dun faune( 1912; The Afternoon of a Faun) serta Le Sacre du printemps (1913; The Rite of a Faun ) Musim semi ).

Setelah Perang Dunia I Diaghilev membuat tujuan bersama dengan beberapa gerakan seni modern di Paris, dan prestise Balet Russes-nya tidak berkurang sampai kematiannya pada tahun 1929. Revolusi Rusia tahun 1917 tak terhindarkan melemahkan hubungan perusahaan dengan tanah airnya. Meski demikian, unsur Rusia di dalam rombongan tetap dominan, meski penari Rusia bergabung dengan penari dari negara lain, termasuk Anton Dolin (Inggris), Ninette de Valois (Irlandia), dan Alicia Markova (Inggris). Di antara koreograf yang bertugas untuk Diaghilev selama rentang waktu ini merupakan Léonide Massine, Bronislava Nijinska, George Balanchine, serta Serge Lifar; balet yang sangat bertahan lama merupakan Massine’s La Boutique fantasque (“The Fanciful Shop”) dan Le Tricorne (1919; “The Three-Cornered Hat”), Les Biches (1924; “The Does”) karya Nijinska , dan Apollon Musagète (1928) karya Balanchine. .

Terlepas dari Balet Russes, Anna Pavlova berkeliling dunia dengan perusahaan penari pendukungnya sendiri. Dia membawa karya seninya ke jutaan orang yang belum pernah melihat balet sebelumnya, dan dalam prosesnya dia menjadi ikon yang sesungguhnya.

Diaghilev’s Ballets Russes tidak selamat dari kematiannya, dan dua tahun berlalu sebelum impresario Kolonel W. de Basil danRené Blum membentuk sebuah perusahaan, theBalet Russes de Monte Carlo , pada tahun 1931 untuk meneruskan tradisi. Kisah perusahaan Ballets Russes tahun 1930-an terlalu rumit untuk dibahas secara singkat; yang paling penting adalah perkembangan dalam dekade itu dari publik balet yang lebih muda dan lebih luas daripada kaum intelektual yang dirayu Diaghilev. Perusahaan baru segera menghasilkan bintang pertamanya: tiga “balerina bayi” (usia 12 hingga 14 tahun saat debut mereka), Tamara Toumanova, Tatiana Riabouchinska, dan Irina Baronova. Mereka dan penari lain dalam kelompok itu adalah murid dari berbagai guru Rusia terkemuka (terutama Mathilde Kschessinska , Olga Preobrajenska , dan Lubov Egorova) yang telah menetap di Paris dan melanjutkan untuk mendirikan pelatihan gaya Rusia di Barat.

Balet Russes de Monte Carlo meneruskan adat- istiadat Diaghilev dengan menugaskan seniman serta komposer terkenal buat bekerja sama dalam balet. Meskipun Balanchine memproduseri Cotillon dan La Concurrence di musim pertamanya (1932), Massine menjadi koreografer yang dominan, membuat terobosan baru dengan balet simfoniknya Les Présages (1933), Choreartium (1933), dan Symphonie fantastique (1936). Tur perusahaan AS, yang dimulai pada tahun 1933, menjadi acara rutin; dari kunjungan ini dapat ditelusuri mode balet selanjutnya di Amerika Utara. Blum memutuskan hubungan dengan de Basil pada tahun 1936 untuk membentuk perusahaannya sendiri yang berumur pendek dengan Fokine sebagai master balet, sementara de Basil memimpin perusahaannya sendiri dengan berbagai nama sampai kematiannya. Ada persaingan besar antara kedua perusahaan, yang pada tahun 1938 muncul secara bersamaan di London. Keduanya selamat dari Perang Dunia II , tetapi relevansi mereka sebelumnya telah berlalu. Perusahaan de Basil, semacam yang sudah diketahui, dibubarkan pada tahun 1948, serta Balet Russes de Monte Carlo pada tahun 1962.

Balet Rusia di era soviet

Revolusi 1917 memberikan pengaruh besar pada balet Rusia, yang hampir tidak tersentuh oleh reformasi yang dibawa Diaghilev ke balet di Eropa barat. Terlepas dari asosiasi kekaisaran dan aristokratnya, balet di Uni Soviet bertahan dan berkembang, meskipun mengambil jalur yang berbeda dari balet di Eropa barat. Sementara balet satu babak yang diperkenalkan Diaghilev menjadi norma di Barat, balet Soviet tetap terikat pada bentuk multi babak. Setelah godaan singkat dengan modernisme, yang dipimpin oleh Kasyan Goleizovsky pada 1920-an, balet Soviet kembali ke praktik tradisional, ditandai dengan plot yang kuat, gaya akting alami yang menghindari pantomim formal pada zaman Petipa, dan penggunaan tarian rakyat. sebagai penyeimbang kosakata tari klasik.

Selama tahun-tahun antara Perang Dunia I dan II, St. Petersburg (dikenal dari tahun 1914 hingga 1924 sebagai Petrograd dan dari tahun 1924 hingga 1991 sebagai Leningrad) mempertahankan kekuasaannya, tetapi lambat laun Moskow, yang telah menjadi ibu kota negara, muncul sebagai saingan. Sebagai penanda era tersebut, di Teater Bolshoi Moskow, balet bertema The Red Poppy (1927) diproduksi. Karya ini, yang berkisah tentang pelaut Rusia yang memperjuangkan buruh pelabuhan Tiongkok yang tertindas, tanpa malu-malu adalah propaganda dan menurut standar Barat saat ini secara koreografis tidak menantang.

Sekolah balet di Leningrad mencapai prestise yang belum pernah terjadi sebelumnya di bawah salah satu guru paling inspiratif sepanjang masa, Agrippina Vaganova . Dia membentuk generasi penari baru, dipimpin oleh seorang balerina seni yang tak ada bandingannya, Galina Ulanova . Pada saat yang serupa, pemahaman hendak adat- istiadat asal usul balet Rusia kembali, serta sebagian balet klasik era tadinya dipublikasikan kembali ke dalam repertoar.

Sekelompok baru koreografer Soviet, yang bekerja hampir secara eksklusif dalam kerangka balet penuh, matang, dan, setelah kunjungan kemenangan dari Bolshoi Ballet ke London pada tahun 1956, balet dari Uni Soviet mulai muncul dari keterasingannya. Dalam pertunjukan dari 1950 pekerjaan penuh-malam adalah norma, ditandai oleh dua balet dengan skor yang sangat dikagumi di Eropa Barat: Leonide Lavrovsky ‘s Romeo dan Juliet (1940), musik oleh Sergey Prokofiev , dan Leonide Jacobson Spartacus ( 1956), hingga musik oleh Aram Khachaturian . Sebagai hasil dari pertukaran yang mengikuti tur Bolshoi, balet Rusia dan Eropa Barat dipengaruhi satu sama lain. Koreografer Barat, seperti Frederick Ashton dan John Cranko, mulai bekerja ke skala yang lebih besar, sementara koreografer Rusia mulai bereksperimen dengan bentuk babak tunggal yang disukai Diaghilev.

Perkembangan perusahaan balet nasional di Eropa dan Amerika Utara

Warisan abadi Diaghilev adalah kebangkitan balet setelah kematiannya. Perusahaan-perusahaan besar yang kemudian berkembang diPrancis , Inggris, dan Amerika Utara adalah penerima manfaat langsung dari visinya. Balet dari Paris Opéra mengalami kemunduran besar ketika Ballets Russes pertama kali datang ke kota. Pada tahun 1920-an prestise perusahaan Prancis mulai meningkat, dan itu adalah kekuatan utama lagi di balet Eropa setelah 1931, ketikaSerge Lifar diangkat menjadi master balet. Selama rezim Lifar, yang berlangsung hingga tahun 1958, kekayaan perusahaan—dan rasa hormat terhadap balet Prancis—meningkat secara dramatis. Sebagai koreografer, Lifar menciptakan repertoar balet yang luas, mengundang kolaborasi musisi dan seniman kontemporer seperti yang akan dilakukan Diaghilev; sebagai penari yang tak tertandingi karena daya pikatnya, Lifar memberikan contoh untuk diikuti oleh orang lain.

Setelah pensiun, perusahaan terus berkembang di bawah arahan tokoh ikonoklastik lainnya, Rudolf Nureyev , yang menghasilkan berbagai karya klasik spektakuler dari periode Petipa. Balet-balet itu memamerkan kekuatan teknis dan artistik perusahaan yang luar biasa. Di dalam Inggris perkembangan yang lebih dramatis terjadi. Musim Diaghilev di London telah menghidupkan kembali minat balet, dan tahun 1930-an melihat awal yang sederhana dari tradisi nasional dengan pembentukan Vic-Wells Ballet dan Ballet Rambert . Pada tahun 1946 Vic-Wells, yang saat itu disebut Sadler’s Wells Ballet, dipilih untuk menjadi perusahaan balet yang mapan di Royal Opera House di London; pada tahun 1956, diberikan perlindungan kerajaan, itu menjadiBalet Kerajaan . Didirikan oleh Ninette de Valois , perusahaan ini memiliki koreografer jenius,Frederick Ashton . Inspirasinya adalah Margot Fonteyn , seorang balerina yang mencapai ketenaran internasional.

Perkembangan balet di Amerika Serikat tidak kalah dramatisnya. Meskipun negara ini tidak memiliki balet nasional, perusahaan-perusahaan terkemukanya dapat dibandingkan dengan perusahaan-perusahaan nasional utama di Eropa. Yang paling penting di antaranya adalahNew York City Ballet dan American Ballet Theatre , didirikan masing-masing pada tahun 1934 (sebagai American Ballet Company; namanya diubah pada tahun 1948) dan 1939 (sebagai Ballet Theatre, namanya berunah pada tahun 1957). Arti penting dari yang pertama terletak pada penyimpanan repertoar besar yang George Balanchine — di masa mudanya salah satu koreografer Diaghilev — diciptakan selama seumur hidup dengan kreativitas yang luar biasa; dia meninggal pada tahun 1983.

Banyak negara lain, terutama Jerman, Belanda, Italia, Swedia, Denmark , dan Kuba, untuk menyebutkan beberapa saja, mendirikan perusahaan balet terkenal di abad ke-20, dan banyak perusahaan dan kelompok kecil yang tak terhitung jumlahnya menjadi aktif di seluruh dunia, memainkan peran mereka. dalam pembungaan balet yang luar biasa setelah Perang Dunia II.

Balet setelah 1945

Sejak awal, hubungan dinamis antara estetika dan tuntutan sosial, antara dorongan inovasi dan tuntutan stabilitas, telah membentuk seni balet. Namun hubungan timbal balik antara seni dan sejarah sangat dekat pada abad ke-20. Berakhirnya Perang Dunia II pada tahun 1945 menandai terobosan mendasar dalam sejarah dunia Barat: kekuatan militer Sekutu—tentara Amerika, Inggris, dan Soviet—menggulingkan rezim Nazi Jerman dan rezim fasis Italia. Dalam perjuangan itu, balet, semacam seni yang lain, sudah menggantikan serta menantang daya besar.

Akhirnya, balet muncul dari reruntuhan Eropa sebagai bentuk seni yang diidentikkan dengan Sekutu, dan perkembangannya bercabang karena Barat dan Timur terbagi; di satu sisi adalah kapitalis Barat, dipimpin oleh Amerika Serikat, dan di sisi lain adalah Timurblok komunis , denganUni Soviet memegang kendali. Barat mendesak suatu estetika dari seni buat seni, menciptakan balet abstrak yang bereksperimen dengan seluruh komponennya. Di Timur, sebaliknya, seni secara eksplisit mencerminkan politik. Semakin banyak propaganda dan ideologi yang diterapkan pada seni sosialis, semakin banyak koreografer dan komposer Barat membuktikan independensi mereka dari pengaruh luar apa pun pada kreasi mereka.

Di Barat seniman fokus pada individu dan mengeksplorasi sifat intrinsik balet dan tari . Dengan kata lain, seniman berusaha untuk mengungkap karakteristik yang melekat pada langkah-langkah atau pola koreografi atau interpretasi musik modern atau avant-garde. Koreograf semacam George Balanchine ataupun Jerome Robbins, terbebas dari kecondongan politik mereka, membuat aransemen abstrakmelalui badan ataupun narasi ilegal yang dikisahkan lewat badan. Pola spasial Balanchine dan penggunaan teknik pointe, misalnya, lebih penting dan lebih dikenal daripada pandangan politiknya. Seni di Barat didikte oleh kemampuan untuk mengekspresikan kebebasan individu dan untuk menjalankan pilihan individu; seni di Timur harus menyerahkan dirinya pada usaha kolektif sosialisme dan kepentingan yang diduga dari kolektif itu. Di Barat, tubuh penari balet merupakan sarana untuk menemukan komponen-komponen balet—irama, gaya, dan pokok bahasan, misalnya—melalui diri individu. Keaslian, temuan terkini, serta pendekatan berani dihargai.

Timur, sebaliknya, memelihara balet berdasarkan “realisme sosialis” yang menopang ideologi komunis dari tahun-tahun awal hingga blok itu runtuh pada tahun 1989. Teknik penari, metode pelatihan, dan struktur balet mungkin tidak sangat berbeda di Timur dan Barat (paling tidak karena tradisi dan repertoar dimiliki bersama), tetapi klaim negara sosialis atas seni membuat pengalaman seniman Timur secara fundamental berbeda dari rekan-rekan mereka di Barat. The eklektik koreografer Amerika Twyla Tharp , misalnya, adalah bertanggung jawab terutama untuk dirinya sendiri; Yuri Grigorovich dari Rusiabertanggung jawab kepada dirinya sendiri serta kepada kementerian kebudayaan negaranya dan Partai Komunis. Jika ideologi sosialis menuntut kedekatan dengan “rakyat”, maka balet baru harus menunjukkan bahwa ideologi tersebut telah dimasukkan ke dalam ceritanya; contohnya termasuk The Red Poppy (1927), The Flames of Paris (1932), dan Spartacus (1956).

Namun teknik balet tidak bisa dijadikan ekspresi langsung ideologi politik . Ini adalah abstraksi ringkas dari apa yang dapat dilakukan tubuh manusia , dan telah berkembang selama berabad-abad. Dengan demikian, seniman di negara sosialis harus menunjukkan kesetiaan pribadi kepada sistem. Propaganda membuat eksperimen menjadi sulit, jika bukan tidak mungkin. Koreografer Leningrad, Leonid Jacobson, misalnya, menemukan bahwa karirnya pada dasarnya berakhir ketika pihak berwenang tidak menyetujui eksperimen avant-gardenya; penyimpangan artistik dikatakan menyesatkan seniman dari cita-cita sosialis. Kesenangandalam apa yang disebut formalisme—abstraksi neoklasik, tanpa plot, penggunaan posisi kaki yang terbalik, penolakan terhadap teknik pointe tradisional—bukannya apa yang dicirikan sebagai interpretasi kehendak orang-orang yang ditampilkan dalam gaya “realistis”, akan dihukum. Balet naratif sepanjang malam disukai, sedangkan karya pendek atau miniatur abstrak tanpa cerita yang bermakna dipandang dengan jijik dan curiga. Tradisi ditulis besar-besaran di blok Timur, dan penyimpangan apa pun dapat menyebabkan masalah dan perlu dibenarkan.

Dengan begitu, perusahaan- perusahaan Rusia lalu menekankan tradisi balet era ke- 19 yang tidak terpenggal, bagus di dasar komunisme ataupun sehabis pembubaran sistem Soviet. The Mariinsky Ballet , penerus Kirov di Leningrad (sekarang St Petersburg), telah melakukan tur dunia dengan reproduksi glamor dari The Sleeping Beauty . Moskow Bolshoi Ballet perjalanan dengan staples abad ke-19 tetapi juga mempertahankan klasik sosialis seperti Yuri Grigorovich ‘s Spartacus dan bahkan Dmitry Shostakovich ‘balet s dari tahun 1930-an yang telah dilarang selama pemerintahan Joseph Stalin .

Sejarah Munculnya Balet di Eropa

Sejarah Munculnya Balet di Eropa  – Balet, tarian teatrikal di mana teknik tari akademis formal—danse d’école—dikombinasikan dengan elemen artistik lain seperti musik , kostum, dan pemandangan panggung. Teknik akademik itu sendiri juga dikenal sebagai balet. Artikel ini mensurvei sejarah balet.

Sejarah Munculnya Balet di Eropa

Munculnya balet di pengadilan Eropa

koltunballetacademy – Balet menelusuri asal-usulnya ke Renaissance Italia , ketika dikembangkan sebagai hiburan pengadilan. Selama abad ke-15 dan ke-16 teknik tari menjadi formal. Episentrum seni pindah ke Prancis setelah pernikahan bangsawan kelahiran Italia Catherine de Médicis dengan Henry II dari Prancis. Seorang musisi istana dan koreografer bernama Balthasar de Beaujoyeulx merancang Ballet comique de la reine (1581; “Balet Komik Ratu”), yang meresmikan tradisi lama balet istana di Prancis yang mencapai puncaknya di bawahLouis XIV pada pertengahan era ke- 17.

Baca Juga : Mengenal Sejarah dan Juga Gaya Balet

Sebagai hiburan istana, karya-karya itu dilakukan oleh para abdi dalem; beberapa penari profesional kadang-kadang menjadi peserta, tetapi mereka biasanya berperan dalam peran aneh atau lucu. Subyek karya-karya ini, di mana tari hanya merupakan bagian dari deklamasi dan lagu, sangat beragam; beberapa komik dan yang lain memiliki niat yang lebih serius, bahkan politis. Louis XIII serta putranya Louis XIV kerap tampak di dalamnya; Louis yang lebih belia pada waktunya dikira selaku ikon style berajojing yang agung semacam yang bertumbuh di kastel Prancis.

Akhirnya, perkembangan di pengadilan Prancis mendorong seni ke samping, dan balet pengadilan menghilang. Namun Louis XIV sudah mendirikan 2 perguruan tinggi tempat balet dikeluarkan ke tahap lain kemajuannya: theAcadémie Royale de Danse( 1661) serta theAcadémie Royale de Musique( 1669). Académie Royale de Danse dibangun buat melestarikan gerakan klasik gaya tari bangsawan. Itu berlangsung sampai tahun 1780-an. Pada dikala itu tujuannya pada dasarnya sudah dibatalkan oleh perguruan tinggi nada, pelopor sekolah tari Opera Paris.

Balet sebagai tambahan untuk opera

Académie Royale de Musique jadi amat berarti dalam kemajuan balet. Akademi diciptakan untuk menyajikan opera, yang kemudian dipahami memasukkan unsur tari; memang, selama satu abad penuh balet merupakan komponen wajib dari berbagai bentuk opera Prancis. Sejak awal, para penari Opéra (sebutan umum untuk Académie) adalah profesional, berada di bawah otoritas master balet. Suksesi ahli balet terkenal( paling utama Pierre Beauchamp, Louis Pécour, serta Gaétan Vestris) membenarkan gengsi balet Prancis, serta mutu bedaya Opéra jadi populer di semua Eropa.

Tumbuhnya daya tarik balet ke publik yang semakin luas di Paris tercermin dalam keberhasilan opéra-balet , yang paling terkenal adalah André Campra ‘s L’Europe galante (1697;‘Gallant Eropa’) dan Jean-Philippe Rameau ‘s Galantes Les Indes (1735; ‘Hindia Gallant’). Karya- karya ini mencampurkan lantunan, gaya tari, serta nada orkestra jadi no yang disatukan oleh tema yang longgar. Pada tahun-tahun awal penari yang paling berprestasi adalah laki-laki, dan baru pada tahun 1681 penari utama wanita pertama, Mlle La Fontaine, muncul. Lambat laun ia dan penerusnya menjadi hampir sama terkenal dan dihormati seperti penari pria seperti Michel Blondy dan Jean Balon. Namun, dari tahun 1720-an, dengan munculnya Marie Sallé dan Marie-Anne Camargo , para wanita mulai bersaing dengan pria dalam hal teknik dan seni. Pensiunnya Sallé dan Camargo pada gilirannya bertepatan dengan debut salah satu penari paling terkenal sepanjang masa,Gaétan Vestris , yang pada masa jayanya dianggap sebagai lambang gaya bangsawan Prancis; ia memainkan kedudukan berarti dalam membuat balet selaku wujud pentas bebas.

Pendirian balet d’action

Balet tetap tunduk pada musik vokal di Opera Paris sampai tahun 1770-an, tetapi di tempat lain—dan bahkan di Paris—para ahli balet yang tercerahkan telah bereksperimen dengan genre di mana tarian digabungkan dengan kialan buat membuat tipe buatan pentas terkini yang diketahui selaku balet. d’aksi . Asal-usulnya dapat ditelusuri kembali setidaknya ke 1717, ketika di LondonJohn Weaver diproduksiThe Loves of Mars and Venus , yang ia klaim menggemakan pantomim Roma kuno . Ini merupakan cikal bakal sebagian usaha perintis buat menenun gaya tari serta kialan jadi suatu buatan naratif, paling utama oleh Franz Hilverding serta Gasparo Angiolini di Wina serta Jean- Baptiste de Hesse dan Antoine Pitrot di Paris. Itu jatuh ke koreografer dan penulis PrancisJean-Georges Noverre untuk membangun genre balet d’action dalam kesadaran publik .

Di Opéra-Comique di Paris, Noverre pada tahun 1754 memproduksi balet luar biasa dengan tema Cina yang membuatnya mendapatkan pertunangan di London. Di situ Noverre bersahabat dengan bintang film David Garrick, yang jadi akibat berarti dalam kemajuan artistiknya. Pada 1760, di istana Württemberg (sekarang di Jerman), ia menghasilkan serangkaian karya besar di mana ia mewujudkan visi pribadinya tentang balet d’action . Yang paling terkenal adalah Médée et Jason , di mana Gaétan Vestris memerankan Jason. Ketenaran Noverre menyebar ke seluruh Eropa. Setelah Württemberg ia dipekerjakan di Wina, di mana Permaisuri Maria Theresa merekomendasikannya kepada putrinya, Ratu Marie-Antoinette Perancis, untuk jabatan master balet di Opera Paris.

Keterlibatan singkat Noverre di Opera adalah titik balik yang paling penting. Gaétan Vestris, seorang tokoh dominan di sana, mendukung penyebab balet d’action. Walaupun ahli balet yang lain, Jean Dauberval serta Maximilien Gardel, memforsir Noverre pergi dari badan, mereka tidak kurang berkomitmen pada jenis terkini yang ia perkenalkan.

Kemasyhuran Noverre pula berawal dari tulisan- tulisannya, paling utama Lettres sur la danse et sur bimbingan ballets( 1760), salah satu kesusastraan tari klasik, di mana beliau menarik atensi pada kekurangan balet pada masanya dan meletakkan ide-idenya untuk mereformasi. seninya dan menjelaskan visinya tentang balet d’action .

usia Gardel

Hingga pecahnya Revolusi Prancis pada tahun 1789, Opera Paris senantiasa terpaut akrab dengan kastel. Revolusi mengakhiri dukungan semacam itu. Pergantian abad ke-19 adalah masa kebingungan untuk seni, di mana balet mendapatkan popularitas dan prestise yang sangat besar dengan mengorbankan seni saudaranya, opera. Kesuksesan balet beberapa besar ialah akibat dari usaha individu ahli balet Pierre Gardel( kerabat Maximilien), yang memimpin balet Prancis dari tahun 1787 sampai 1827. Gardel tidak cuma seseorang administrator profesional namun pula seseorang koreograf, yang dihormati di semua Eropa. Di Paris beliau mempertunjukkan banyak balet dari bermacam jenis, dari hikayat Klasik( Psyché, 1790) sampai lawakan( La Dansomanie, 1800) serta fantasi kontemporer( Paul et Virginie , 1806). Dia paling cakap didukung oleh Louis Milon, yang sendiri menghasilkan sejumlah mahakarya, termasuk Nina yang menyentak air mata , ou la folle par amour (1813; “Nina, atau Mad by Love”) dan Le Carnaval de Venise yang ramai , ou la constance l’épreuve (1816; “Karnaval Venesia, atau Ujian Keteguhan”). Di bawah pemerintahan Gardel dominasi balet Paris diakui di seluruh Eropa untuk produksi balet, untuk penari seperti Marie Gardel, Emilia Bigottini, dan Louis Duport , dan untuk guru unggul seperti Jean-Franƈois Coulon.

Sementara itu, balet juga telah mengakar di kota-kota Eropa lainnya, terutama di Wina dan di kota-kota Italia seperti Milan dan Napoli. Koreografer Italia yang luar biasa pada era ini adalah Salvatore Vigan , yang berusaha untuk membentuk tari dan drama bisu ke tingkat yang lebih besar daripada koreografer lain pada masanya. Karyanya yang paling terkenal adalah versi definitifnya dari legenda Prometheus , Prometeo (1813), yang menggunakan kembali sebagian besar musik balet Ludwig van Beethoven untuk Vienna State Opera, Di antara koreografer terkenal lainnya yang bekerja di Italia saat ini adalah Gaetano Gioja dan Louis Henry kelahiran Prancis.

Balet sebagai aspek dari Romantisisme

Dunia berganti dengan kilat sehabis kegagalan Napoleon pada tahun 1815. Pangkalan publik teater Paris meluas dengan munculnya kelas menengah yang kaya, sementara dalam hal selera artistik generasi muda menolak preferensi neoklasik dari para tetua dan menyerah pada tumbuh mode untuk Romantisisme . Balet itu sendiri akan berubah secara radikal. Sehabis tumbangnya despotisme Bourbon pada tahun 1830, Opera diprivatisasi, serta manajemen terkini membuka pintu buat Romantisisme dengan Giacomo Meyerbeer‘ s opera Robert le Diable( 1831;‘ Robert Belis’) dan balet Filippo Taglioni ,La Sylphide (1832; “Sylph”). Yang terakhir, yang jadi prototipe untuk banyak balet lain dengan antusias selaku bahadur perempuan, membuat kemasyhuran gadis Filippo Taglioni, Marie Taglioni, balerina sangat terkenal di generasinya.

Dilatih oleh Coulon dan dipoles oleh ayahnya, Taglioni memiliki gaya yang membedakannya dari orang-orang sezamannya; dia memproyeksikan kualitas spiritual yang dikatakan menyentuh jiwa, dan keahliannya ditundukkan pada penciptaan suasana hati.Tahun-tahun dari sekitar 1830 hingga 1850 adalah masa keemasan bagi balet. Taglioni diikuti oleh bintang-bintang hebat lainnya, yang seperti dia menikmati ketenaran internasional, termasuk AustriaFanny Elssler . Elssler terkenal karena karakter tarian seperti Spanyol cachucha , dan dia memiliki bakat yang dramatis yang jelas dalam Joseph Mazilier ini La Gipsy (1839) dan Jules Perrot ‘s La Esmeralda (1844). Setelah Elssler datang Carlotta Grisi , yang menciptakan peran judul di Giselle (1841), sebuah balet yang tetap, agak dimodifikasi, dalam repertoar abad ke-21 .

Usia didominasi oleh balerina dengan mengorbankan penari pria. Teknik wanita menjadi semakin virtuosic, sebagian besar sebagai hasil dari pengembangan pointe work (yaitu, menari di atas jari kaki). Pada sepertiga terakhir abad ke-19, balet di Paris mengalami penurunan artistik; satu-satunya pekerjaan merit untuk bertahan hidup adalah Arthur Saint-Léon ‘s Coppelia (1870). Salah satu pusat di mana penari laki-laki memegang sendiri adalah Kopenhagen, di mana Paris dilatih August Bournonville mengarahkan balet selama bertahun-tahun. Dia menghasilkan banyak balet, termasuk versinya sendiri dari La Sylphide (1836) dan Napoli (1842); keduanya tetap dalam repertoar ke abad ke-21, dan keduanya menyampaikan rasa otentik dari gaya Romantis .

London adalah pusat balet penting lainnya saat ini, tetapi balet di sana sebagian besar merupakan bentuk impor, didominasi oleh bintang tamu dari Benua Eropa dan oleh koreografer Prancis. Yang menonjol di antaranya adalah Jules Perrot , yang menghasilkan serangkaian karya agung, termasuk La Esmeralda (1844) dan Pas de Quatre (1845) yang sangat berbintang . Namun, pembungaan balet yang hebat di London akan berlangsung singkat, dan sekitar 80 tahun akan berlalu sebelum gerakan pertama dari tradisi balet Inggris yang sesungguhnya dirasakan.

NS Balet Kekaisaran Rusia

Menjelang akhir abad ke-19, pusat kegiatan balet pindah ke Sankt Peterburg , di mana seni didukung oleh sumber daya tak berdasar yang dimiliki tsar . Namun demikian, balet tetap impor eksotis dari Eropa Barat, dan satu-satunya produksi catatan dengan tema Rusia Arthur Saint-Léon ‘s The Little bongkok Horse (1864).Saint- Léon merupakan salah satu ahli balet Prancis yang bertugas diRusia; ia didahului oleh Perrot serta digantikan olehMarius Petipa. Petipa mendominasi balet Rusia dari tahun 1870 hingga 1903, hampir mengisi repertoar dengan baletnya sendiri. Beberapa di antaranya bertahan untuk membentuk balet klasik hingga abad ke-21: tidak hanya tiga balet yang dicetak oleh Pyotr Ilyich Tchaikovsky, The Sleeping Beauty (1890), The Nutcracker (1892), dan Swan Lake (1895; asisten Petipa, Lev Ivanov , mengatur aksi tepi danau) tetapi juga karya sebelumnya, La Bayadère (1877; “Penari Kuil [Hindu]”), dan karya berikutnya, Raymonda (1898).

Imperial Ballet memberikan perhatian besar pada pelatihan para penarinya, dan gaya yang pada dasarnya Rusia muncul di perusahaan. Gaya Italia yang diajarkan oleh Enrico Cecchetti dan gaya Prancis yang diajarkan oleh Christian Johansson bersama-sama membentuk fondasi bagi sekolah Rusia yang akan menjadi dominan dalam balet abad ke-20.